Revista virtual nº 001 abril 2005 introduccióN






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fecha de publicación19.07.2015
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REVISTA VIRTUAL Nº 001


ABRIL 2005


INTRODUCCIÓN



La producción musical ha tomado un rumbo incierto en estos últimos años, con el advenimiento de tecnologías que permiten transferir datos y la digitalización del audio los músicos y artistas se enfrentan a una incertidumbre que nunca antes se había dado.
La técnicas de compresión de archivos de audio permite reducirlos casi al undécimo de su volumen normal y los consumidores están prefiriendo obtenerlos desde internet a un costo ínfimo, dando como resultado un desequilibrio económico a la industria musical.
Sin embargo nuevas estrategias se están dando para “no ir en contra de la evolución digital”, aquí nos encontramos con portales que ofrecen tracks musicales por menos de un dólar, o la venta de mp3 desde los portales del mismo artista, pago previo a través de tarjetas de crédito.
El futuro musical se vislumbra de manera casi virtual, desde la concepción hasta la venta de la producción, las grandes corporaciones musicales están buscando soluciones para dos grandes casos, la primera, evitar el copiado de sus discos y la segunda detener la libre transferencia de canciones en internet, llámese por medio del P2P (Peer to peer: Emule, Kazza, etc).
Para el primer reto ya existe una compañía israelí que ha logrado crear un disco incopiable, abrá que esperar que esta tecnología dé los resultados correspondientes.
Ing. Freddy Neira (Profesor de Midi)

urbania5677@hotmail.com
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CAMPUS DE LA PERCUSIÓN



En Cuba percusión cubana, en otros países percusión latina; así se le llaman a la gama de instrumentos de percusión surgido tras la transculturización africana que sufrió Cuba en el siglo XIV, desde aquel entonces surgieron los tambores batá, el cajón cubano y las antecesoras de las tumbadoras (hoy día congas) ya posteriormente tanto en Cuba como en los demás países del caribe surgieron otros instrumentos los cuáles fortalecieron la gran familia de los instrumentos de percusión latina; así como el bongó, el timbal, las claves, el güiro, cencerros, maracas entre otros.
Es por eso que “AMS CAMPUS” se pone a la vanguardia y a merced de esta gran especialidad musical, poniendo en práctica un nuevo curso de percusión cubana, para así transmitir a los percusionistas interesados en estos géneros los cuales requieren de esta percusión a incrementar sus conocimientos en las distintas líneas polirrítmicas que surgen al ejecutar estos instrumentos; así se espera que el proyecto tenga gran acogida y éxito ya que en “AMS CAMPUS” nunca ha fracasado ningún proyecto artístico de los que se han ejecutado hasta el día de hoy.
Miguel Reina Bauzá (Profesor de percusión en la especialidad de batería)

Cubano1_424@hotmail.com

Cubano1_424@yahoo.com.ar
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LA IMPORTANCIA DE LA ENSEÑANZA DE LA ACÚSTICA EN LOS ESTUDIANTES DE AUDIO PROFESIONAL



La acústica es una ciencia que sienta sus bases en la integridad, específicamente en Grecia, a pesar de ello su difusión en nuestro medio no llega a ser la mínima, prueba de ello es que tenemos muchos espacios pobremente acondicionados o con equipos inadecuados, muchas veces no por motivos económicos. Tomando conciencia de esta situación, AMS CAMPUS tiene entre sus objetivos la formación básica en Acústica a sus alumnos, con conocimientos que le permitan saber la teoría física del sonido, así como su cálculo y manejo, además de aspectos más avanzados de los conocimientos tecnológicos a través de los cursos siguientes, tales como técnicas de audio I y II, además de otros que le permitan manipular la señal sonora para realizar grabaciones y ediciones.
En la primera parte de este curso se enseña la teoría básica del sonido: la onda sonora, las leyes, el decibelio; así como los principios básicos que rigen a los instrumentos. Casi todos los músicos y expertos en audio saben que al tensar una cuerda de guitarra ésta sonará más aguda, pero no saben la razón, o porqué el bajo tiene una longitud de cuerdas mayor que el de la guitarra o, porqué el saxo barítono tiene un registro sonoro más grave que el de la flauta, y es a través de la acústica que se pueden responder a estas interrogantes.
En la segunda parte, se analiza la importancia de los materiales que cubren las paredes en los locales de audiciones, así como las formas que éstos tienen. Para darse cuenta de esto, no es necesario ser experto, basta ir a un local debidamente acondicionado (por ejemplo el “teatro peruano japonés”, “auditorio del Colegio Santa Ursula”, etc.) y compararlo con cualquier otro lugar donde hayan presentaciones musicales, y percibir que tanto se entiende o qué tan homogéneo es el sonido. Es cierto que muchas veces puede haber errores en lo electroacústico, pero cuando un lugar no ha tenido el mínimo tratamiento es muy difícil lograr un buen sonido, sino recuerden o pregunten si alguien conoce de alguna presentación impecable que se haya logrado en el Coliseo Amauta (en este lugar el sonido permanece varios segundos en el ambiente), o cualquier otro coliseo sin tratamiento. También se estudian las ordenanzas relativas al ruido permitido, ya que son los músicos y las personas relacionadas al audio las que conocen de los problemas que se suele tener en la práctica diaria cuando este aspecto no se encuentra solucionado, desde eternas peleas con los vecinos, hasta la imposibilidad de poder grabar, ya que el sonido del exterior ingresa al estudio.
El curso siguiente es la continuación, en éste se dan herramientas de cálculo a través de la informática, gracias a éstas se puede prever a la directividad.
Luis Espinoza (Profesor de Acústica)

lespinoza@pucp.edu.pe
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LAS MATEMÁTICAS EN LA MÚSICA



Atendiendo a los sonidos emitidos por los instrumentos musicales de cuerda tales como: violín, guitarra, piano, etc., a nadie escapa que ellos resultan de la puesta en vibración de las cuerdas que dichos instrumentos poseen.
Ahora bien, la altura de una nota musical dada depende tanto de la longitud de la cuerda con que se emite, como de la tensión que ésta última soporta.
Ya el inefable Pitágoras había descubierto, utilizando un monocordio, que: “Si una cuerda y su tensión permanecen inalteradas, pero se varía su longitud, el período de vibración es proporcional a su longitud”.
Supongamos que un fabricante de pianos utilizara, siguiendo a Pitágoras, cuerdas de idéntica estructura pero de diferentes longitudes para lograr la gama de frecuencias de que goza dicho instrumento. En un piano moderno, con notas de frecuencia comprendida entre 27 y 4096 Hz, la cuerda de mayor longitud resultaría 150 veces más larga que la de menor longitud.
Obviamente, ello hubiera impedido la construcción del piano de nuestro ejemplo, de no mediar las dos leyes del matemático francés Marsenne. La primera dice que: “Para cuerdas distintas de la misma longitud e igual tensión, el período de vibración es igual a la raíz cuadrada del peso de la cuerda”. El mayor peso se consigue, generalmente, arrollándole en espiral un alambre más delgado. Así se evita la excesiva longitud de las cuerdas asignadas a los graves.
La segunda ley expresa: “Cuando una cuerda y su longitud permanecen inalteradas pero se varía la tensión, la frecuencia de vibración es proporcional a la raíz cuadrada de la tensión”. Siguiéndola se evita que las cuerdas resulten demasiado cortas en los agudos, aumentando su tensión.
La incorporación de marcos de acero a los pianos modernos, ha posibilitado tensar los alambres hasta valores insospechados antiguamente y que redondean las 30 toneladas.
Erick Lévano C. (Profesor de Introducción a las Ciencias)

erick_levano@yahoo.com

telf: 482-8468
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MÉTODO TOMATIS: EL CORAZÓN ES EL QUE ESCUCHA



Los más de cincuenta años de investigaciones del médico francés Alfred A. Tomatis, especialista en oído, nariz y garganta, han culminado con el desarrollo de una disciplina científica, la Audio – Psico - Fonología, que aúna los principales campos de investigación y experimentación a los que ha dedicado su vida, relacionando el oído con la percepción, la comunicación y la escucha.
Este conocimiento del oído en su papel de controlador de la fonación, de la imagen corporal y del sistema psicomotor, hace posible corregir las deficiencias que impiden su eficacia intrínseca. El oído debe ser capaz de percibir y analizar todo el espectro sonoro con exhaustiva precisión, si alguna de estas funciones presenta carencias, se produce una deficiencia auditiva, lo que en el plano musical se traduce en un deterioro en la ejecución.
Según Tomatis, cuando el problema de oído no se debe a un problema orgánico, es de tipo psicológico; para ello argumentaba que si durante la infancia del sujeto se había producido un rechazo hacia el abanico sonoro, podía reflejarse a nivel fisiológico con un cierre del oído como consecuencia de la relajación de los músculos del oído medio, cosa que coartaría la percepción auditiva. Abrir nuevamente el oído es posible, aunque cuanto más tiempo pase inutilizado, peor será la recepción del sonido.
Todo esto ha puesto de manifiesto la importancia de la escucha en un sentido amplio:


  • Escucha desde su teoría del oído musical, que en principio tienen aquellas grandes figuras que cantan correctamente y dominan instrumentos, que presenta una curva ascendente de respuesta. Teoría que quizás fue comprobada en una de sus pacientes más reconocidas, María Callas, a la que trató personalmente.

  • Escucha con el cuerpo, ya que reveló la gran conexión que existe entre el oído y casi todo lo que sentimos a través del nervio vital neumogástrico: la sequedad de garganta, los nervios, la respiración...


Es por ello que dio gran énfasis a la postura corporal que mantenemos a la hora de recibir y emitir sonidos, en el sentido de que una buena educación en habilidades auditivas conlleva un mejor tono y calidad en la ejecución. Así, propone una posición en la que la columna vertebral permanezca derecha, en una posición natural, el pecho abierto, el cuello y la mandíbula relajados, la cabeza levemente inclinada hacia delante y los ojos entornados.
En su opinión, el oído tiene muchas más funciones de las que normalmente se le han adjudicado; así, asegura que además de servir para oír o mantener el equilibrio, aumenta el potencial eléctrico del cerebro. El sonido es transformado en un flujo nervioso que llega a la corteza, donde se distribuye al resto del cuerpo proporcionándole un mayor dinamismo. En este punto, hace distinción entre sonidos de frecuencias altas, que al desarrollar este proceso proporcionan más energía al individuo, y bajas, que pueden incluso llegar a agotarle.
Un tratamiento en base a frecuencias armónicas altas, previamente seleccionadas, imprimiría en el individuo beneficios como:


  • Sentirse más jovial y dinámico.

  • Mejoras en la capacidad memorística.

  • Mayor resistencia al cansancio.

  • Menor necesidad de descanso.

  • Mayores cotas de concentración.

  • Mejores aptitudes en el trabajo.

  • Mayor motivación en la realización de actividades rutinarias.



Y es que el nervio vago, que regula la laringe, la faringe, los pulmones, el corazón, el estómago, el hígado, los riñones y el intestino, sitúa su rama auricular en la superficie externa del tímpano, uniéndose así mundo interior y exterior y produciéndose una relación cercana entre lo que el tímpano percibe y los estados emocionales.
Isabel Francisca Álvarez Nieto
Bibliografía:
Kühn, Clemens (1988): La formación musical del oído. Barcelona. Labor.

Don Campbell (2001): El efecto Mozart en los niños. Ed. Urano.

Tomatis, A. (1996): El oído y el Lenguaje. Barcelona. Biblaria.
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LA MÚSICA EN EL PERÍODO DE ADAPTACIÓN DE EDUCACIÓN INFANTIL




La asistencia a la escuela es para los niños y niñas un paso importante en el camino que les llevará a convertirse en adultos. Para muchos de ellos supone la primera salida del ámbito familiar: tienen que adaptarse a unos espacios desconocidos, a ritmos y rutinas nuevos, a compañeros y adultos con los que tendrán que establecer relaciones...
El periodo de adaptación es aquel tramo de tiempo que dedicamos a vivir con nuestros niños/as todas las rupturas que supone su incorporación al centro educativo, comprendiéndoles en lo que sienten y apoyándoles en la búsqueda de soluciones positivas a los problemas que se plantean.
Es a la vez un camino y un proceso; no todos los alumnos lo andarán con el mismo ritmo, es algo que tienen que realizar por sí mismos, una conquista personal y como tal hay que valorarla. No tiene una temporalidad fija; depende de cada niño, de sus circunstancias particulares, de la capacidad de la escuela para amoldarse a las peculiaridades y personalidad de cada alumno en concreto.
La música les ayuda en este periodo de adaptación a crecer, madurar, afirmarse en su propia identidad, manifestar de forma espontánea sus sentimientos frente a la escuela y la separación familiar, e iniciar, de este modo, el conocimiento y la adaptación al mundo exterior.
La planificación que hagamos para la entrada de los niños que acuden por primera vez a la escuela va a garantizar muchos éxitos futuros. Es fundamental que mantengamos una atención individualizada, reforzando la confianza del niño en si mismos y potenciando su autoestima, de modo que progresivamente vayan adquiriendo seguridad en sus propias capacidades y en el entorno que le rodea.
Con la expresión musical conocemos las necesidades, características y peculiaridades de cada niño, respetamos los distintos ritmos, los integramos en el grupo-clase desarrollando su autonomía, establecemos una relación de confianza – seguridad entre familia y escuela...
Las canciones, los juegos, las actividades, los cuentos musicales... que desarrollamos en nuestro aula les ayuda a aprenderse mi nombre y el de sus compañeros, reconocerse como parte integrante del grupo-clase, conocer nuestro aula, moverse libremente por ella utilizando objetos y materiales, familiarizándose con ellos, conocer a los demás alumnos, maestros y trabajadores del centro (conserjes, limpiadoras, cocineras, monitores...), expresar sus propios sentimientos hacia la escuela...
Como son pequeños, no tienen un concepto claro de duración del tiempo, por eso lo estructuro internamente a través de actividades musicales y rutinas. Durante los primeros meses procuro seguir una rutina de actividades fijas de modo que los niños puedan acostumbrarse al ritmo de trabajo habitual. Los juegos musicales también les ayudan a familiarizarse con el espacio (paseamos por el centro, cantamos, bailamos...).
Las actividades musicales también están encaminadas principalmente a favorecer la socialización, adquirir hábitos de cooperación y colaboración... Nuestra mascota siempre la presento con su canción. La despertamos por la mañana cuando llegamos a la clase cantándole su canción y con ella compartimos la aventura de aprender. Nos acompaña a lo largo del curso; todos los días la podemos encontrar en clase exceptuando el fin de semana, que viaja con un niño/a de la clase a su casa, favoreciendo así la relación familia-escuela.
Trabajo los distintos ámbitos de Identidad y Autonomía Personal, Medio Físico y Social, Comunicación y Representación de forma globalizada, realizando siempre una gran variedad de actividades para que el aprendizaje sea más significativo. Con la expresión musical conozco su historia personal, su ambiente, sus sentimientos y así se sienten únicos. Fomento el juego libre, por su enorme valor en la elaboración de conflictos afectivos, sin olvidar los juegos organizados, las actividades colectivas...
Voy observando como los niños se van adaptando a la escuela al: intercambiar objetos con los demás, jugar, cantar, bailar, moverse con independencia, participar en el grupo, expresar sus sentimientos, mostrar afecto, dirigirse a mí de manera espontánea, venir contentos a la escuela...
Es importante que prestemos especial atención al modo de actuar de los niños, la forma de relacionarse con sus compañeros y sus actitudes ante el trabajo escolar, ya que esta primera observación podrá darnos la pauta de los problemas o dificultades de cada alumno en concreto y orientarnos en la consiguiente planificación del curso escolar. Vamos a ir identificando al grupo para así fundamentar nuestro trabajo posterior.
Este periodo de adaptación se puede dar por terminado cuando se consiga una cierta estabilidad emocional en el grupo, asuman con más tranquilidad los momentos de separación y reencuentro con las familias, así como la totalidad del tiempo de estancia al centro. Pueden darse situaciones de regresión, pero no serán tales si los adultos que convivimos con ellos (padres y educadores) somos capaces de admitirlas y comprenderlas, asociándolas a procesos normales del desarrollo evolutivo que permiten reelaborar y reforzar situaciones aparentemente asimiladas o interiorizadas
La musicoterapia es una técnica terapéutica que utiliza la música en todas sus formas con participación activa o receptiva por parte del paciente. Todos nosotros sabemos reconocer cuándo una canción nos parece alegre o nos parece triste. Generalmente asociamos nuestro estado de ánimo a la melodía de numerosas obras de todo tipo. Pues bien, precisamente la musicoterapia recurre a estas melodías como método para curar o reducir diversos problemas de salud.
La idea de base es reconocer que gran parte de las enfermedades tienen su origen en el cerebro, quien luego transmite a una parte del cuerpo un estímulo determinado que reproduce una enfermedad. Con la musicoterapia se intenta hacer llegar al cerebro unos estímulos que le lleven a una relajación o anulación de los que reproducen la enfermedad, a través de diversas melodías con las que se pueden conseguir efectos sorprendentes.
Aunque la musicoterapia ya se conoce desde la antigüedad, en los años 40 de nuestro siglo se utiliza como rama de medicina recuperativa, que con efectos fisiológicos, afectivos y mentales, contribuyendo a un equilibrio piscofísico de las personas. Hoy en día se aplica fundamentalmente en desequilibrios nerviosos, influye positivamente sobre el corazón y pulmones, alcoholismo, drogas y como prevención de suicidios, aunque todavía es necesario profundizar mucho más en el tema.
El esquema básico de trabajo en esta disciplina contempla tres aspectos: la interacción positiva del paciente con otros seres, la autoestima y el empleo del ritmo como elemento generador de energía y orden. La musicoterapia actúa como motivación para el desarrollo de autoestima, con técnicas que provoquen en el individuo sentimientos de autorrealización, autoconfianza, autosatisfacción y mucha seguridad en sí mismo. El ritmo, elemento básico, dinámico y potente en la música, es el estímulo orientador de procesos psicomotores que promueven la ejecución de movimientos controlados: desplazamientos para tomar conciencia del espacio vivenciados a través del propio cuerpo.
La herramienta sonora más poderosa según muchos terapeutas del sonido es el canto de armónicos. A través de nuestras propias voces, podemos proyectar a la parte enferma la frecuencia de resonancia correcta, y devolver su frecuencia normal. Según Jonh Beaulieu, la entonación de armónicos afecta incluso al flujo de la kundalini de las tradiciones místicas. Tema muy relacionado con los mantras tibetanos realizados para limpiar los chakras y despertar su energía para alcanzar la iluminación.
Aquí os dejamos una lista de obras clásicas y su virtud por si os interesa:
Insomnio:

Nocturnos de Chopin (op. 9 n.º 3; op. 15 n.º 22; op. 32 n.º 1; op. 62 n.º 1)

Preludio para la siesta de un Fauno de Debussy

Canon en Re de Pachelbel
Hipertensión:

Las cuatro estaciones de Vivaldi

Serenata nº13 en Sol Mayor de Mozart
Depresión:

Concierto para piano nº5 de Rachmaninov

Música acuática de Haendel

Concierto para violín de Beethoven

Sinfonía nº8 de Dvorak
Ansiedad:

Concierto de Aranjuez de Rodrigo

Las cuatro estaciones de Vivaldi

La sinfonía Linz, k425 de Mozart
Dolor de Cabeza:

Sueño de Amor de Listz

Serenata de Schubert

Himno al Sol de Rimsky-Korsakov
Dolor de estómago:

Música para la Mesa de Telemann

Concierto de Arpa de Haendel

Concierto de oboe de Vivaldi
Energéticas:

La suite Karalia de Sibelius

Serenata de Cuerdas (op. 48) de Tschaikowsky

Obertura de Guillermo Tell de Rossini
Cristina Isabel Gallego García

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En esta oportunidad nuestra entrevista a Pedro Revoredo y Freddy Neira, integrantes de Urbania, dúo de música pop electrónica, ellos utilizan equipos digitales para la programación de sus temas.
¿Qué es Urbania?

Urbania es un proyecto que nace en 1998 para difundir un estilo poco ejecutado en nuestro medio, la música pop electrónica, Urbania es conformado por Pedro Revoredo (voz) y Freddy Neira (sintetizadores), por ser un proyecto digital no se requiere de más integrantes.
¿Están compitiendo con el rock?

No, de ninguna manera, es un estilo independiente, no tiene por qué haber competencia entre un grupo de rock y un proyecto electrónico.
Aunque existen algunos puristas que no creen en la electrónica.

Así es, sin embargo ellos gozan y bailan con un cd de su grupo de rock favorito, y ese disco es un medio electrónico, es digital.
¿Ustedes son Djs?

No, los djs manejan entre otras cosas discos vinilos y equipos con patrones pre diseñados (en la mayoría de casos), nosotros programamos nuestros patrones, creamos los sonidos y los ejecutamos, aparte debemos conocer la teoría musical, las armonías, los arreglos, etc. Somos músicos electrónicos.
¿Hay movida en el Perú en lo que se refiere a música electrónica?

Sí la hay, pero los djs son los que mueven más, los grupos como Urbania tienen aun poco movimiento, la gente piensa que un concierto de música electrónica está definitivamente relacionado con un dj que pone discos, eso no es así, y debemos crear primero una conciencia de que existen grupos que ejecutan la música y sobre todo, que la han creado.
¿Cuántas producciones tienen?

Hemos grabado dos producciones discográficas y tres videoclips, el segundo es del tema “¿A dónde vas?” y aunque aquí en el Perú muchos medios nos cerraron las puertas (hablando crudamente) el video llegó a lugares que no lo creerías, Italia, Estados Unidos, Japón, por decir un ejemplo, es cierta la frase de “Nadie es profeta en su tierra”, en la cadena HTV sigue en programación, y eso que el tema ya tiene como un año ahí.
¿Y qué hay del tercer video?

El último es un cover de Soda stereo, el tema es “De música ligera”, y lo grabamos cuando fuimos a Miami y New york el año pasado para entregar “¿A dónde vas?” en HTV, también hay tomas de algunos conciertos que hemos realizado acá en Lima.
¿Por qué no se escucha el nombre Urbania como el de Líbido por ejemplo?

Hay muchos factores, empezando por el público que no está acostumbrado a escuchar este género musical, estamos en un medio muy latino donde la salsa, el merengue y hasta el folklore son del agrado de la mayoría, y los medios de comunicación no se atreven a arriesgar, no sé por qué motivo, un nuevo estilo, ahí viene el problema, no se apuesta por la industria nacional. Las radios tienen el deber de programar temas peruanos, y lo hacen, pero con grupos que vienen con una infraestructura fuerte, y además con medios económicos que permiten comprar un tiempo que debería ser gratuito (no estamos hablando de espacios comprados, sino de la programación en sí), entonces hay una especie de autodestrucción de la industria por parte de los artistas grandes para que ellos gobiernen el mercado. Es un tema muy delicado porque las susceptibilidades están a la orden del día y no deseamos entrar en terreno caliente.
¿Proyectos a futuro?

Estamos enviando el tercer video a Estados Unidos, también hemos creado una página WAP, es para que puedan conocer más de nosotros a través de páginas diseñadas para teléfonos celulares, por último estamos programando lo que será nuestra tercera producción.
Para conocer más a Urbania visite:

www.geocities.com/urbaniaperu
Página WAP: tagtag.com/urbaniaperu

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