Características del Renacimiento






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  1. Sobre el autor y su contexto

RENACIMIENTO Y BARROCO: EVOLUCIÓN Y CONTRASTE

El Renacimiento es un movimiento cultural que tuvo su origen en Italia y se extendió por toda Europa durante los siglos XVI y XVII. Los hombres del Renacimiento quisieron rescatar los valores de la Antigüedad griega y latina, hacerla renacer

Características del Renacimiento:

  • Reencuentro deliberado del hombre con la antigüedad clásica. Los escritores y los artistas rechazaron la tradición medieval y prefirieron tomar como modelo las ideas y las obras del período clásico de Grecia (siglos V al II antes de Cristo) y Roma (que recoge la herencia griega). Volvieron a imponerse la ordenación lógica, el canon del arte griego, el cultivo del latín y del griego, etc.

  • Desprecio por las formas medievales. En el Renacimiento se dio al arte medieval el nombre de «gótico» porque en aquel tiempo lo consideraban propio de los godos o bárbaros.

  • Consideración del hombre como centro de la reflexión y de las preocupaciones (humanismo), a diferencia de la Edad Media, que tuvo a Dios como eje de toda actividad intelectual (teocentrismo). El hombre del Renacimiento se llamó a sí mismo humanista, y consideraba que el arte, la literatura y la música debían reflejar también sus problemas, sentimientos y aspiraciones, abandonando el tema exclusivamente religioso.

  • Visión optimista del hombre y de la naturaleza. La recuperación de la filosofía platónica trajo como consecuencia la búsqueda de la armonía y de la proporción. La preocupación por el hombre tuvo como efecto un arte humanizado.

Durante la segunda mitad del siglo XVI empezó la decadencia del Renacimiento, que cayó en un rígido formalismo, y tras el Manierismo(estilo artístico que predominó en Italia desde el final del Alto Renacimiento hasta 1600) se desarrollo el Barroco. Se entiende por Barroco la evolución que sufre el arte renacentista, que culmina en el siglo XVII. La actitud serena y vitalista propia del Renacimiento deja paso en el Barroco a un profundo sentimiento de inestabilidad que lleva al hombre al pesimismo y al desengaño. Este progresivo cambio de la mentalidad tiene como consecuencia una evolución de los gustos estéticos. La artificiosidad y el desequilibrio presentes en el arte de esta época se derivan de esta angustiosa y escéptica visión del mundo. El alejamiento de los modelos clásicos, que habían representado en el Renacimiento la armonía y el orden, es una manifestación más de la incomprensión de la existencia. Las obras tienden a la mezcla de elementos diversos, a la ruptura de las normas establecidas y a la búsqueda de nuevos cauces de expresión; el dinamismo y la complejidad de las formas, la exageración expresiva, la grandiosidad y la acumulación son rasgos principales del Barroco y el reflejo de un mundo que se percibe confuso e híbrido.

TEATROS NACIONALES

SITUACIÓN EN EUROPA

Durante el siglo XV en Francia, Inglaterra y España, nuevos monarcas formaron poderosas naciones.

La Iglesia Católica estaba perdiendo poder por la corrupción, conflictos internos, y el surgimiento de la cultura en lo artístico, filosófico, científico y tecnológico, del movimiento renacentista. Nace el antropocentrismo en contraposición al teocentrismo.

Las nuevas naciones tenían guerras y problemas políticos. En la Edad Moderna se integraron los dos mundos humanos que habían permanecido aislados desde la Prehistoria: el Nuevo Mundo (América) y el Viejo Mundo (Eurasia y África).

Coincide con la Era de los Descubrimientos, y un punto de vista aún más restrictivo, únicamente en algunas monarquías de Europa Occidental se identificaría con el periodo y la formación social histórica que se denomina Antiguo Régimen.

Entre los hechos que propiciaron esta época destaca la gran importancia adquirida por la burguesía, la relación de mecenazgo de familias poderosas con artistas y la invención de la imprenta. Aumenta la difusión de la cultura por estos dos últimos hechos.

Además el auge de las lenguas nacionales provoca que éstas sean el único vehículo de producción literaria.

El Renacimiento aporta a la civilización humana una entusiasta valoración del mundo y el hombre, presidido por el conocimiento y admiración de la antigüedad grecolatina.

SITUACIÓN EN INGLATERRA

El Renacimiento llega tarde a Inglaterra y no tiene su apogeo hasta casi mediados del Siglo XVI, por eso la literatura inglesa no emplea el término “Renacimiento” hasta la llegada del Clasicismo. El verdadero renacimiento inglés corresponde a la “Era isabelina” (de 1558 a 1603) en la que Gran Bretaña llega a ser potencia mundial y durante la cual florece el teatro de Shakespeare y Marlowe. Cronológicamente coincide con el Barroco, pero sus características son claramente renacentistas.

En los años anteriores al reinado de Isabel I, gobernó su padre el rey Eduado VIII, famoso por su ruptura con la Iglesia Católica de Roma y su establecimiento de la Iglesia Anglicana.

Lo que diferencia a Inglaterra de otros países en esta época aparte de su rechazo al catolicismo, es el fuerte impulso a la actividad económico y a la actividad naval.

Inglaterra y el Teatro Isabelino y la rotura de las reglas aristotélicas:

La época isabelina significó el ingreso de Inglaterra en la Edad Moderna. Cabe destacar que este país tiene unas raíces y costumbres diferentes a las del resto de países europeos.

El teatro Isabelino está constituido por las obras escritas desde las dos últimas décadas del siglo XVI hasta 1642, aproximadamente. Su máximo representante es el escritor inglés Shakespeare.

El teatro cortesano y popular son los de mayor auge. Además se rompió con las reglas clásicas establecidas por Aristóteles (tiempo, lugar y acción) ya que el pueblo no las conocía y por tanto no buscaba la verosimilitud que éstas daban a la obra, sino acción, movimiento, furia... La influencia italiana y la tradición e historia nacionales contribuyen a su esplendor y consolidación.

El teatro isabelino se inspira en la historia y en las tradiciones nacionales: Inglaterra había vivido una historia dramática en la que los autores encontraron asuntos para conmover a un pueblo inmerso en esos acontecimientos.

Francia y el teatro clásico

Durante la segunda mitad del siglo XVI, se produjo un cambio temático en el género dramático francés, que abandonó la farsa y la sátira cómica, para orientarse hacia la tragedia de tipo histórico en el siglo XVII. El mejor exponente de la consagración definitiva de las fórmulas dramáticas clásicas combinadas con la seducción barroca y con la negativa a dejarse encerrar en un orden, es la obra de Corneille. El teatro clásico francés comienza en la tercera década del siglo XVII. La obra se desarrolla en cinco actos y se suelen respetar las tres unidades. Aparece un idealismo clasicista como reacción al teatro barroco y no permite las mezclas de géneros como se hacía en Inglaterra. Varios son los factores que contribuyen al triunfo de los ideales del clasicismo como el imperio de la razón frente a la imaginación libre o el resurgimiento de los principios aristotélicos. Los autores que sobresalen en ésta época son Corneille (El Cid), Racine (Andrómaca) y Molière (El avaro).

Teatro español del Siglo de Oro:

El desarrollo del espectáculo teatral durante el siglo XVI en España propició el cultivo, junto a las formas tradicionales (religiosas o populares) de formas dramáticas diversas, entre las que acabará triunfando la comedia nacional creada por Lope de Vega. Con este término genérico se designa también la tragicomedia y el drama que son representados en corrales de comedias. También, destaca Calderón de la Barca, quien a su vez crea escuela con su nueva concepción del drama.

A diferencia de Inglaterra y España (cuyas reglas de creación son los gustos del público) Francia decide seguir las tres reglas y llegando solo a las minorías aristocráticas.

CARACTERÍSTICAS Y LOGROS DE SHAKESPEARE
 


William Shakespeare (1564-1616) es el autor más distintivo de la historia de la literatura inglesa y uno de los mejores dramaturgos (por muchos considerado el mejor) de la literatura universal. Hombre de una grandísima cultura, además de dramaturgo, también fue actor y poeta. Dentro de la poesía, destaca por sus sonetos, de corte petrarquista y de tema puramente lírico, pero también escribió otros de tema mitológico y estilo narrativo. La obra teatral de Shakespeare se caracteriza por su temática histórica o legendaria y puede clasificarse en: Dramas históricos (Enrique VI y Ricardo III), comedias (El sueño de una noche de verano, el mercader de Venecia, la tempestad) y las tragedias, las más famosas y prestigiosas de su obra (Romeo y Julieta, el rey Lear, Hamlet, Otelo y Macbeth) además de sus tragedias romanas como Antonio y Cleopatra.

Shakespeare y su obra se sitúan en un punto de la historia que favoreció mucho la producción de teatro y que tiene a este artista como icono: el teatro isabelino. Este etapa de la literatura inglesa se caracteriza por crear un teatro popular, que gozaba de un gran apoyo del público; apartarse de la clásica regla de las tres unidades de Aristóteles (como sucede en toda la obra de Shakespeare) y por su influencia italiana, país por el cual había un gran interés por sus novedades artísticas y literarias (como el Príncipe de Maquiavelo) y la tradición e historia nacionales en las que artistas como Shakespeare se inspiran para escribir sus obras (Hamlet de Dinamarca, Macbeth de Escocia…).

Otro gran representante del teatro Isabelino fue Christopher Marlowe, el dramaturgo predecesor a Shakespeare y del que dicho protagonista de la literatura inglesa copió partes en algunas de sus obras. Entre sus obras más destacadas están Doctor Faustus (inspirada en el mito de Fausto) Edward II, la cual fue utilizada en su contra para ser acusado de homosexual y ateo. Marlowe fue un pionero en el teatro inglés y ejerció un gran papel en la modernización de dicho género, iniciando la época isabelina.

 

OBRAS: CLASIFICACIÓN Y RESUMEN DE ROMEO Y JUELIETA:

 

Las tragedias de Shakespeare son las obras más importantes y admiradas de su producción literaria, en ellas, casi siempre se presentan unos protagonistas aristócratas, de una alta y refinada posición social y renta pero que, al igual que todos, cometen errores y se equivocan en importantes decisiones de su vida que, junto con la trágica trayectoria de su destino, les conducen a la muerte. De esta forma se defiende que tanto el hombre rico y poderoso como el pobre campesino tienen virtudes y defectos, y que todos tienen un destino trágico o no, pero no depende de su posición. Las causas de la desdicha de los protagonistas shakesperianos son el ansia de venganza (Hamlet), la traición desempeñada por la codicia (Macbeth), los celos y la desconfianza (Otelo), la ingratitud de los hijos (El Rey Lear) la rivalidad y el amor (Romeo y Julieta) y la pasión y la lujuria (Antonio y Cleopatra).

Hamlet cuenta la historia del príncipe de Dinamarca de dicho nombre, el cual, gracias a una aparición del fantasma de su padre descubre que en realidad éste murió asesinado por su hermano Claudio, ahora rey de Dinamarca y esposo de la madre de Hamlet. La obra continua con el transcurso del plan de Hamlet para delatar a su tío al que, finalmente, estando herido, asesinará y morirá.

Shakespeare escribió otra gran tragedia basada en uno de los reyes de la historia de Escocia: Macbeth. Su historia cuenta como éste, junto a su mujer, planean la muerte del rey de Escocia para que Macbeth lo sustituya en el trono. Tras alcanzar su propósito, las manos de Macbeth se irán manchando más y más de sangre deshaciéndose de todos sus posibles enemigos hasta ser asesinado por Macduff.

Otra obra importantísima fue Otelo, una cruda historia llena de intriga, engaño y, sobre todo, celos. Otelo es el general de la república de Venecia que se casa con Desdémona, de la cual acaba desconfiando de tal manera de que está siéndole infiel con el teniente Casio que la mata, sin saber que todo se trata de un engaño por parte del alférez Yago, que lo odia y desea su perdición. Cuando Otelo descubre que todo era mentira, se suicida.

El rey Lear es una historia de ingratitud y de contraste entre la absoluta maldad y el bien, del odio y desprecio al amor y el cariño. El rey Lear, divide su reino y se lo hereda sólo a dos de sus hijas: Goneril y Regan, las cuales, después de casarse, acaban deshaciéndose de él y expulsándolo de palacio. La historia acabará con el descubrimiento tardío por parte del rey Lear del amor de su hija Cordelia, la cual será ejecutada por orden de sus hermanas y del rey Edmundo, vencido por su hermano. Tras dicha muerte, las hijas Goneril y Regan se suicidan.

 

Romeo y Julieta son, sin duda alguna, los enamorados más famosos de la historia de la literatura, su apasionado y destructivo amor es conocido por todo el mundo al igual que su dramático final y la fuerte rivalidad entre sus familias veronesas (Montesco y Capuleto). Esos apellidos impuestos por un chiste de mal gusto del destino que los aparta automáticamente al uno del otro. Pero, de todas formas, tanto Romeo como Julieta luchan por su amor, llevándolo en secreto y casándose clandestinamente con la ayuda de Fray Lorenzo. El error más grave de todos es el enfrentamiento entre Romeo y Tybalt, tras la muerte de Mercutio, gran amigo del Montesco, asesinado por el primo de Julieta que termina cuando Romeo le da muerte y es exiliado. Este incidente supone un cúmulo de tristeza muy fuerte para Julieta ya que no sólo se le ha arrebatado la presencia de su amado esposo, sino que encima ha perdido para siempre a su primo querido. Esta gran melancolía acaba convirtiéndose en desesperación cuando su padre la compromete con el conde Paris. Es entonces cuando la joven pide ayuda a fray Lorenzo, que le da una pócima que la mantendrá dormida con la apariencia de una muerta, esto evitará el casamiento con Paris y será llevada y depositada en la cripta familiar. Pero por culpa del cruel destino, la carta explicativo del plan de fray Lorenzo no puede ser enviada y un criado llega primero a casa de Romeo, al que le da la funesta noticia de la muerte de Julieta. El joven enamorado compra un veneno y vuelve a Verona, donde visita la cripta en la que descansa su amada. Allí encuentra a Paris, a quien se enfrenta y mata para después suicidarse. Julieta, al despertar encuentra el cadáver de su esposo y se quita la vida con una daga. Tras es el final de este amor tan intenso, las dos familias, los Montesco y los Capuleto, hacen las paces.

La obra de Shakespeare es sumamente poética, indiferentemente de tratarse de teatro, podemos descubrir una gran cantidad de aportaciones líricas, que se alejan de los diálogos para distinguirse como monólogos sentimentales muy poéticos. Este es un ejemplo de Romeo y Julieta:

¡Ay de mí!¿Por qué el amor si es ciego

puede encontrar a oscuras la senda de su antojo?

¿Dónde comeremos ahora¿ ?Qué era esa algarada?

Mas no, no hables pues todo lo escuché.

Mucho tuvo que ver el odio; pero más el amor.

Así pues, ¡oh, amor de discordia! ¡Oh, tú, odio enamorado!

¡Oh, ensencia nacida de la nada!

¡Oh, gravedad liviana! ¡Oh, grave vanidad!

¡Oh, informe caos de apariencia hermosa!

¡Oh, carga ligera, humo brillante, gélido

fuego, robusta enfermedad, sueño

de ojos abiertos cuya esencia ignoro!

Este es el amor que siento sin amor.

 

La lírica también se encuentra en forma de breves poemas o canciones como este ejemplo de Hamlet, cantado por Ofelia:

No, ya no volverá, no

nunca volverá;

no, que está muerto, no;

acaba con tu vida ya,

que él nunca volverá.

Su barba era de nieve,

y sus cabellos, de lino.

Se ha ido, se fue, se ha ido.

Dejemos de llorar.

Dios mío, de él ten piedad.

  1. SOBRE EL TEMA: Comentario sobre el tratamiento de los temas que se aprecian como más destacados:

Locura y razón

La escasa cordura se muestra en los amantes: son impulsivos, exagerados, insensatos tiene una clara relación con el enamoramiento. Este sentimiento por todos conocido, conlleva en ocasiones a la perdida de la razón. El afectado tiene una visión de la realidad que a veces no es acertada. Si Romeo no estuviese enamorado la razón habría vencido, definitivamente no se habría suicidado. Por tanto se ve que de algún modo el amor condiciona nuestro comportamiento y opiniones. Como en Shakespeare todo es contraste y lucha de contrarios, no falta quien trata de hacer entrar en razón a los protagonistas. Estos otros personajes, que representan la razón y la inteligencia, oponen su buen sentido, a veces realista, a veces excesivamente materialista, a la fogosidad.

ESTRUCTURA

Romeo y Julieta, como toda obra de Shakespeare y del teatro isabelino, no cumple la regla de las tres unidades de Aristóteles. En esta tragedia, la unidad de espacio, se rompe constantemente, la historia sucede en muchos lugares: Verona, casa de los Capuleto, jardines de los Capuleto, dormitorio de Julieta, Capilla, Cementerio…etc; la historia transcurre durante más de un día, por lo que la unidad de tiempo tampoco es obedecida; y, aunque hay una trama principal, que es el romance entre Romeo y Julieta, la unidad de acción tampoco se da en esta obra, ya que, por ejemplo, está la disputa entre las familias de por medio.

El lenguaje Shakespereano

En la obra de “Romeo y Julieta” la presencia de la prosa es reducida y se concentra en su primera parte. Su empleo se ajusta en general a las convecciones, que la reservan para personajes plebeyos o para personajes nobles en situaciones cómicas. La presencia de la prosa en las primeras escenas tiene la función de exponer la oposición de carácter realista a las convenciones estilizadas del amor petrarquista. El verso adquirirá un carácter transparente y apasionado en el caso de los enamorados, y realista o didáctico, en el de los otros personajes.

El dramaturgo utiliza una variedad de formas poéticas a los largo del relato. La obra comienza con un soneto. La mayor parte de la obra está escrita en versos blancos. Shakespeare relaciona cada forma poética con un personaje diferente. Así vemos como Fray Lorenzo utiliza el sermón, mientas que el ama utiliza el verso blanco y un registro coloquial. Cuando Romeo habla sobre Rosalinda en el inicio intenta emplear el soneto de Petrarca. Esta corriente la aplicaba los hombres para exagerar la belleza de las mujeres. Esta forma poética también la usa la Señora Capuleto para describirle a Julieta la apariencia física de Paris.


En el momento en el que la pareja se conoce el autor cambia el Petrarquismo a sonetos más contemporáneos, en el que destaca las metáforas.


Romeo y Julieta es una obra con muchas rimas y pareados. El comienzo de la obra es un

ejemplo de los contrastes dramáticos. Al soneto inicial le sigue la prosa vulgar de los criados. Esta exuberancia lingüística aporta una gran fuerza poética y retórica.


Esta variedad de estilo se traduce en una gran diversidad de ambientes y estados de ánimos.

DESBORDAMIENTO DE LA UNIDAD DE ESTILO

La norma clásica establecía que una tragedia debía mantener un lenguaje siempre elevado y una comedia emplear un registro coloquial o sencillo, aunque nunca excesivamente vulgar. El autor inglés, como sabemos, rompe con esta exigencia.
(
http://blaschillerato.blogspot.com/2010/11/temas-en-romeo-y-julieta.html)

PROFUNDIDAD DE PENSAMIENTO:

Sus textos están llenos de pensamientos profundos y reflexiones agudas. De hecho, Shakespeare es uno de los autores más citados en las colecciones de frases agudas, ingeniosas o inteligentes:

Es mejor ser rey de tu silencio que esclavo de tus palabras.

Es mejor ser rey de tu silencio que esclavo de tus palabras.

No basta levantar al débil, hay que sostenerlo después.

Fuertes razones, hacen fuertes acciones.

La conciencia es la voz del alma; las pasiones, la del cuerpo.

LIRISMO

El petrarquismo fue un modo de hacer poesía que se esparció por toda Europa durante el Renacimiento y que nació a manos de Francesco Petrarca, gracias, sobre todo, a su Cancionero. El tema principal de esta poesía es el amor y los sentimientos. Los sonetos amorosos de Shakespeare, son petrarquistas en principio, pero hay ciertas discusiones al respecto ya que, muchos de esos sonetos, van dirigidos a un hombre, por lo que no se cumple la idealización de la dama, rasgo distintivo del petrarquismo.

Aquí otro poema de Romeo y Julieta:

Mal resultó ese tiro, pues nadie podrá herirla

con las flechas del Amor: tomó el ingenio de Diana,

y, protegida por la coraza fuerte de la castidad,

vive a salvo del pueril y débil dardo del amor.

No ha de exponerse a que la cerquen palabras seductoras;

evitará el asedio de ojos tentadores,

y no abrirá sus carnes al engañoso oro;

posee la riqueza de lo bello. Y es pobre;

lo que atesora ha de morir con ella.

 

Humor: el comic relief y el Fool o Clown

Comic relief: toque humorístico o cómico en una obra dramática (una de las aportaciones más originales de Shakespeare)

El personaje del Fool (que se llama "Gracioso" en español, pero es 'loco' o 'payaso' en inglés) es uno de los más interesantes del drama shakespeareano. En este caso, este papel corresponde a Mercucio. La función tiene este personaje en la obra es de amigo, Gracioso, poeta, aliado y también, como Falstaff, voz de la inteligencia y la cordura en ocasiones.

Ángela Arrizabalaga

Amaya Iriarte

Miguel Pola

1ºB

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