Introducción. Focos geográficos del Arte en el Renacimiento. Cronología. El






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ESCULTURA BARROCA

Dos focos principales:

  • Italia.

  • España.

El Barroco en España no atiende a buscar la sorpresa como en Italia. Se trata de una expresividad más interiorizada, más contenida, más espiritualizada.

ESCULTURA EN ITALIA

Características generales que se ponen de manifiesto:

  • Dinamismo.

  • Proyección espacial.

  • Multiplicidad de planos.

  • Sensualidad.

  • Naturalismo.

  • Sentido escenográfico.

  • Riqueza material: materiales variados y riqueza cromática.

Ej. Cátedra de San Pedro (1657-1666).

Italia:

  1. GIAN LORENZO BERNINI (1598-1680):

Primera etapa de Bernini:

  • Dinamismo:

    • Apolo y Dafne. H. 1615:

      • Aquí se intenta captar el movimiento, se intenta congelar el movimiento. Influencia helenística. Bernini elige el momento de la carrera para captar así el movimiento, pero también el momento más dramático. Movimiento: paños al aire.

      • Gran virtuosismo técnico en esta obra, contrastes: piel suave frente a la rugosidad del árbol.

      • Multiplicidad de puntos de vista: Bernini nos obliga a rodear la figura.

    • David. 1623.

      • Multiplicidad de planos, de perspectivas.

      • Sacrifica la belleza del personaje representado por la expresividad: mirada potente, ceño fruncido, boca apretada. Sigue evidentemente los postulados del canon estético, pero con cierto sacrificio.



    • Constanza Bonarelli. 1635.

      • Naturalismo.

      • Retrato de su amada.

      • La representa de modo inmediato.

      • Captación del momento, casi parece una fotografía.

      • Adapta la textura del mármol a lo que quiere representar.

    • Sensualidad: la carnalidad que tiene el mármol de Bernini es sorprendente. Ablandamiento de los cuerpos como mantequillas. Éxtasis carnal, más que misticismo.



    • Plutón y Proserpina. 1621.

      • Contraste entre el cuerpo tenso de Plutón y el cuerpo más delicado, más suave, más blando, de Proserpina. El rostro de Proserpina: llorando. Él parece burlarse de ella porque sabe que no puede dominarle.

      • La labor de trépano.

Segunda etapa de Bernini:

La segunda etapa de Bernini: temas religiosos y sentido escenográfico. Se podría comparar con las instalaciones del Arte Contemporáneo. La obra forma parte de un espacio escenográfico. Gran explosión de colorido y de sensualidad. Creación de una arquitectura efímera en los muros.

  • Capilla Comaro. 1647. Éxtasis de Santa Teresa:

    • Gran naturalismo, muy refinado y elegante.

    • Túnica de pliegues acartonados. Claroscuro.

    • Sensación de éxtasis en su rostro.

    • Ángel andrógino, con un rostro entre amable y dulce pero también perverso. Paños mojados en contraste con el tratamiento dado a Santa Teresa.

    • La familia Comaro al lado.



  • Beata Ludovica Albertoni. 1674:

    • Elementos en común con la obra anterior.

    • Se capta el momento antes de morir.

Para un espacio público: Fuente de los Cuatro Ríos. 1651.

    • Representación de los cuatro ríos de distintos continentes: Nilo, Danubio, Ganges, Plata (es el más dinámico, porque mira hacia la Iglesia que está al lado, la cual parecía que iba a derrumbarse).

    • Además de esos ríos crea una cueva donde hay todo tipo de animales.

  • Riqueza material:

    • Tumba de Urbano VIII. 1644.

      • En la zona inferior: representaciones alegóricas: Caridad (es una mujer con varios niños acompañándola) y la Justicia.

    • Tumba de Alejandro VII. 1655.

      • Alegorías: Verdad. Justicia. Caridad.


ESCULTURA EN ESPAÑA

  • La más relevante. Carácter religioso, devocional.

  • Encontramos 2 escuelas:

    • La castellana.

    • La andaluza:

      • Sevillana.

      • Granadina.

Imaginería procesional:

  • Influencia de la Contrarreforma: captación de los fieles a través del sufrimiento. A mediados del siglo XVII, sobre en Sevilla, la Iglesia se da cuenta de que a través de ese sentimiento no va a poder captar fieles y, por tanto, busca temas que atraigan por su intimismo. Cambio que se opera, pues, en el discurso de la Iglesia.

Escuela castellana:

  1. GREGORIO FERNÁNDEZ:

  • Cristo atado a la columna:

    • Ojos de cristal, dientes de marfil. A veces se aplica pelo, pero no lo va a hacer Gregorio Fernández.

    • Se intenta profundizar en el drama a través de los sentidos.

    • Estudios anatómicos muy bien desarrollados, pero aplicados a la devoción procesional.

    • Piedad. 1616. Piedad. 1627: de nuevo el drama propio de la escuela castellana. Tratamiento más austero de los ropajes, sobre todo si se compara con lo que veremos en la escuela sevillana.

    • Siempre madera policromada.

Escuela sevillana:

JUAN MARTÍNEZ MONTAÑÉS:

  • Academia en Sevilla (actual Casa de Pilato): Juan de Mesa, Pedro Roldán, Luisa Roldán.

  • Influencia clásica.

  • Tratamiento del cuerpo mucho más idealizado, más sereno.

Juan Martínez Montañés. Llamado el “Lisipo andaluz”, también “dios de la madera”:

  • Gran contención en sus obras, producto también del misticismo promulgado por la Contrarreforma.

  • Policromía excepcional en todas sus obras.

  • Idealismo, mundo apolíneo.

  • Búsqueda de fieles a través de sus obras.

  • Niño Jesús. 1606:

    • Rostro equilibrado.

    • Transmite trascendencia espiritual propia de este momento.

    • Crea con esta obra un modelo de Niño Jesús.

  • San Juan Bautista. 1638:

    • Desarrollo del contrapposto.

    • Rasgos pequeños. Transmite apacibilidad.

  • Cristo de los Cálices. 1603:

    • Gran dramatismo, porque fue un encargo.

    • Crea un crucificado que no ha muerto, que está vivo.

    • Mirada de Cristo: arrepentimiento.

    • Cuerpo idealizado, apolíneo, hermoso, sin recrearse en el sufrimiento, en los aspectos más cruentos vistos anteriormente. Parece que el cuerpo no pesa.

  • Inmaculada Concepción:

    • No tan idealizada como las Vírgenes renacentistas.

    • Aplicación de pan de oro. Suntuosidad decorativa.

Además de estas obras de bulto redondo, también realiza algunos retablos:

  • Adoración de los pastores.

  • Adoración de los Reyes:

    • El niño es el centro.

    • Vírgenes idealizadas.

    • Pastores: más realistas.



  • Discípulos: [ver imágenes de la Plataforma]

    • Juan de Mesa (más expresividad que las obras de Montañés).

    • Pedro Roldán: Retablo de la Iglesia del Hospital de la Caridad. 1673: las calles separadas por columnas salomónicas.

      • Evolución del retablo: José Maestre: elemento nuevo: el estípite (elemento que se une para crear otro elemento de sujeción para el retablo, rectangular; es como una columna pero con unos perfiles más decorativos).

    • Luisa Roldán: hija de Pedro Roldán, se forma con su padre, se casa con un escultor discreto, Luis Antonio de los Santos. Llegó a ser artista de Cámara (la única mujer en conseguirlo).

      • Etapas:

        • Sevillana: movimiento naturalista. Expresividad con cierta idealización. En la Corte: los nobles quieren temática religiosa, pero también temáticas agradables, escenas amables, representadas por santas, por supuesto, pero como si fueran escenas cotidianas. Ej.: Desposorios míticos de Santa Catalina: barro, tamaño pequeño, carácter decorativo, pues es lo que se quería en la Corte. Ella se adapta a la demanda del momento; nada tiene que envidiar a Martínez Montañés.

        • Madrileña: a medida que llegamos al siglo XVIII va cambiando su estilo: influenciada por el Arte Rococó: gusto francés, nada que ver con la austeridad de los Austria. Luisa Roldán, la Roldana, cambia su estilo y se adapta al gusto cortesano. Rostro blanco, maquillado.

XVIII: España: Borbones.

Rococó.

Escuela granadina:

ALONSO CANO (1601-1667):

  • Forma fusiforme (ver imágenes de la Plataforma) desde la cabeza hasta los pies. Amplios pliegues. Se utiliza tanto en escultura como en pintura.

  • Carácter trascendental propio de esta escuela.

  • Madera policromada en todas las figuras que vemos, excepto en la Roldana.

  • Pedro de Mena: María Magdalena (1664). Espiritualidad siempre interiorizada que vemos en Andalucía.

PINTURA EN EL BARROCO

Características generales:

  • Expresividad-emoción: Affetti: emociones.

Ver imágenes de la Plataforma: diferencias entre las dos obras donde se representa a Judith. Tratamiento de la mujer: muy diferente en una y en otra obra.

  • Tenebrismo-claroscuro. El claroscuro siempre como elemento para emocionar.

  • Naturalismo: Caravaggio: La duda de Santo Tomás; Rembrandt: Buey desollado.

  • Trampantojo: muy utilizado. La engañifa. Es todo un logro para el artista engañar al espectador/a la espectadora. Intento de fingir la realidad.

Géneros:

  • Pintura religiosa.

  • Pintura mitológica.

  • Pintura histórica.

  • Retrato.

  • Paisaje.

  • Bodegones.

  • Floreros.

  • Costumbrismo.

  • Vanitas: género característico del Barroco.

  • Destaca: Clara Peeters: 1594-1657. Obra: objeto importante: el reloj (la dama lo lleva en la mano izquierda). La vanitas representa una reflexión sobre el paso del tiempo. Las flores: belleza marchita; la pompa: la vida del ser humano es como una pompa. Hay que abandonar los placeres, el lujo, para pasar a una vida mejor, con Dios. Se ha de estar en paz con Dios si no viene a condena. Autorretrato de la artista.

Se habla de una preparación del ser humano.

Elementos de Vanitas: reloj, flores, libros, joyas,…

Pintura Barroca. Italia.

  1. CARAVAGGIO: abre las puertas del Barroco.

  • Sus primeras obras: entre el Manierismo y el Barroco:

    • Baco: se ha interpretado también como una especie de vanitas: paso de la juventud hacia la madurez. Frutas muy maduras e insectos voloteando alrededor. Magia en torno a la figura. En la jarra de vino: se refleja un autorretrato del pintor.

    • Baco enfermo: personaje a medio camino entre lo mitológico y la realidad, como la obra anterior. Joven disfrazado como si fuera Baco. Influiré en Velázquez. Trampantojo.

    • Muchacho mordido por un lagarto: dolor en su rostro al sentir la mordedura del lagarto. Juego de luces y sombras: claroscuro. Virtuosismo técnico, sobre todo, en el cristal.

  • Etapa de madurez: al margen del Manierismo:

    • La vocación de San Mateo: un tanto criticada esta obra, incluso por la propia persona que la solicitó, pues Cristo quedaba de algún modo a un plano secundario (sin embargo, evocadora: la figura de Cristo no está presente, explícitamente, pero sí a través de la luz que llega por la ventana). La luz sobrenatural: carácter simbólico. Vestuario anacrónico: no corresponde al momento.



    • La cena de Emaús:

      • Momento de tensión: Jesús ha resucitado, encuentra a uno de sus discípulos, pero Cristo no lo reconoce. En el momento en el que Jesús corta el pan, los demás se dan cuenta de quién es él. Emaús, sin embargo, no se da cuenta de ello.

      • Realismo extraordinario.

      • Esta obra fue polémica por la figura de Cristo: imberbe. Tratamiento de luces y sombras muy expresivo.



    • Judith y Holofernes: se queda blanda si la comparamos con la de Artemisia Gentileschi.



    • Madonna de Loreto. 1603. Iglesia S. Agostino.

      • No gustó el tratamiento realista. Fuera del decoro que se esperaba.

      • Tampoco el hecho de que la Virgen fuera interpretada por una amiga de Caravaggio: una prostituta.



    • La dormición de la Virgen. 1605. Santa María della Scalla.

      • Naturalismo que no gustó.

      • Cortinajes que recuperará Velázquez.

      • Luces y sombras: claroscuro. Gran cromatismo.



    • David y Goliat. 1605:

      • Siempre se retrata el artista como Goliat.

      • Bellísimo como emerge David desde la oscuridad. También tuvo muchas críticas, siempre por lo ya señalado: por el gran naturalismo de Caravaggio. Su naturalismo no será entendido por sus contemporáneos.

ARTEMISIA GENTILESCHI (h. 1593-1652):

Padre: Orazio Gentileschi.

  • Autorretrato. 1633:

    • Se representa como una alegoría de la pintura. Ella no posa para el espectador: ella está inmiscuida en su trabajo. Quiere poner en valor el oficio del artista/de la artista. Cabellos: genialidad.

  • Judith decapitando a Holofernes.

  • Susana y los viejos. 1610:

    • Susana representa de otro modo el mito clásico. La representación de Susana sigue siendo un autorretrato, sin embellecer, más bien, lo afea. Expresión emotiva.

    • Formato también vertical: tensión + dramatismo.

No hablamos de Arte Feminista en Artemisia Gentileschi, pero sí cierta conciencia de género.

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