Introducción. Focos geográficos del Arte en el Renacimiento. Cronología. El






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Hermanos Van Eyck:

  • Políptico de la Adoración del Cordero Místico, San Bavón de Gante. 1432:

    • En la zona inferior se aprecia la desigualdad en la perspectiva. No tenemos, a diferencia de Leonardo, una perspectiva menguante.

    • Tonos fríos al fondo pero no se diluyen del todo.

    • Detallismo, minuciosidad.

    • La Virgen: idealización del rostro; vestimenta: detallismo igualmente, precisión.

    • Lo religioso mezclado con lo cotidiano.


Jan Van Eyck:

  • No idealización ni en lo físico ni en la actitud.

  • Siempre hay una lectura simbólica dentro de lo cotidiano.

  • Importante: Virgen del Canciller Rodin. 1435:

      • Tratamiento del espacio en perspectiva.

      • Punto de fuga en el paisaje.

      • Detalles: elementos muy precisos.

      • Obra de pequeño tamaño.

      • No hay interés por la anatomía, por el desnudo.




  • Hombre con turbante rojo. 1433:

      • Obra miniaturesca: 40 cm.

      • Destaca la expresividad: rictus, mirada profunda; tratamiento hiperrealista del turbante (aunque, el realismo está en toda la obra).




  • Matrimonio Arnolfini. 1434:

      • Simbología: las naranjas representan el lujo; los zapatos del hombre están cerca de la puerta: vida pública, mientras que los zapatos de la mujer están cerca de la cama: vida privada, etc.

    1. EL GRECO: Doménikos Theodocópulos (1541-1614):

  • Especial atracción por el estudio de la anatomía.

  • Canon alargado. Lo aprende en su escuela natal: Arte Bizantino.

  • No fue escultor, aunque sus figuras sean casi escultóricas.

  • 1577: Toledo: naturalismo y misticismo. Arte adaptado al gusto español. Pintura religiosa que tiende a la emoción. Va a desarrollar el Greco una pintura más naturalista y adopta el misticismo de la pintura española: idealización en sus pinturas, por tanto.

  • Corte de Felipe II: austeridad; ausencia de ostentación. Etiqueta estricta y austera: gama cromática muy austera: blanco, negro, gris, rosa. Carácter trascendental de los personajes, seriedad. Nada de aspectos anecdóticos, lúdicos.

Ej.: Caballero de la mano en el pecho. 1577.

Aquí ya se ve ese canon alargado tan característico en su obra pictórica.

Ej.: Dama del armiño. H. 1580. Jerónima de las Cuevas, duquesa de Béjar.

Pero sin duda alguna las obras religiosas son las más características de su trayectoria artística:

  • La Trinidad, iglesia de Santo Domingo el Antiguo. Toledo:

    • Influencia de la escuela flamenca, que tanto gusta en España.

    • Composición en zig-zag que transmite dramatismo.

    • Musculatura muy marcada; la figura de Dios-padre es una figura hermosísima: semblante paternal, amoroso, muy bien conseguido.

    • Gamas cromáticas ácidas, procedentes de Miguel ángel.



  • El Expolio. Sacristía de la Catedral de Toledo, 1577:

    • Influencia bizantina. Iconografía de Bizancio: el momento en el que Jesús es despojado de sus bienes. Le interesa al Greco esta iconografía porque procede de su escuela.

    • Gama cromática ácida. Todo en torno a ese óvalo rojo que es la figura de Cristo.

    • Claroscuro.

    • Expresión de misticismo en Jesús: ojos elevados hacia el cielo, manos en el pecho; pose elegante. Anuncia ese misticismo que impera en España, sobre todo.

    • Gran tenebrismo.

    • No le interesaba alarde en la composición y en la perspectiva. Sólo le interesa conmover con su pintura.



  • Entierro del Conde de Orgaz. Iglesia de Santo Tomé. Toledo. 1586:

    • Interesante la composición, la cual se va repetir durante todo el Barroco. Es lo que se denomina “rompimiento de Gloria”: Cielo y Tierra unidos; elemento central: el ángel. Luces sobrenaturales, paisaje poblado de nubes, que recogen toda la esencia de la Gloria celestial. Milagro: el alma ha sido acogida en la Gloria celestial.

    • Contrastes de pinceladas. En la zona inferior: pincelada más expresiva.



  • Martirio de San Mauricio. El Escorial. 1580:

    • Obra realizada para Felipe II. El rey consideró que no era una obra para divulgar, así que la guardó para disfrutarla él únicamente. Pidió a un pintor italiano la realización de esta obra, que fue la que aceptó para su divulgación.

Importante también en el Greco: adaptación de modelos de conductas para los fieles: San Pedro y la Magdalena: cometieron un pecado y a través del arrepentimiento volvieron a estar en paz con Dios. La estética que propone el Greco, a este respecto, es un canon muy alargado, estilizado, pero, sobre todo, la gestualidad: angustia, ojos elevados hacia el Cielo. Toda la atmósfera que rodea a estas figuras es indeterminada. Pinceladas cada vez más anchas, rugosas, planas, con más pasta pictórica. Ello le lleva a crear efectos con los pliegues. Si pudiéramos tocar ciertas zonas de sus obras podríamos hablar de relieve.

Evolución:

  • Retablo del Colegio de Agustinas. Madrid. Bautismo de Cristo:

    • Musculatura irreal. Perfil sinuoso, ondulado. Figura desequilibrante, poses forzadas que inducen al desequilibrio, a la tensión.

  • Anunciación. Retablo de Madrid. 1596: canon alargado, desequilibrio en las figuras.

  • Adoración de los pastores, 1612: todo se mueve al compás.

  • La visión del Apocalipsis. 1609-14:

    • Concede gran importancia al color, más que al dibujo, a pesar de que era un gran dibujante.

    • Figuras irascibles; cuerpos alargados y desequilibrantes, cuerpos casi de mantequilla.

Laocoonte, 1609.

La importancia del Greco:

  • Va a ser desprestigiado a lo largo del siglo XIX, pero se va a recuperar a finales del siglo XIX y, sobre todo, a principios del siglo XX con Picasso (etapa azul). Picasso va a reivindicar fundamentalmente su obra, también los historiadores del Arte.

ARTE BARROCO

  • Introducción. La crisis europea del siglo XVI: la Reforma protestante y la

Contrarreforma católica. Focos geográficos del arte Barroco. Cronología.

  • El Arte Barroco: características.

  • La Arquitectura Barroca: rasgos paradigmáticos. Bernini y Borromini.

  • La Escultura Barroca. La Escultura en Italia: Bernini. La Escultura en

España: la imaginería procesional.

  • La Pintura Barroca: características.

    • El naturalismo de Caravaggio y de Artemisia Gentileschi.

    • Análisis comparado: la escuela flamenca -Rubens- y la escuela

holandesa -Rembrandt.

    • Arte Barroco en Francia y en España: la Francia del Rey Sol; la

escuela sevillana: Velázquez, Zurbarán, Murillo y Valdés Leal.

*

  • Comparación de dos obras (ver imágenes de la Plataforma): Botticelli y Artemisia Gentileschi: Judith y Holofernes.

La obra de Artemisia: no intenta idealizar; luces y sombras muy acentuadas: tenebrismo; en el Barroco el espectador muchas veces se siente incómodo porque no ve toda la obra: negros y focos de luz muy potentes que expresan un fuerte contraste en la composición. Artemisia escoge el momento clímax de la muerte de Holofernes.

Introducción. La crisis religiosa:

  • Nos interesa, sobre todo, en este tema la Reforma protestante.

  • La influencia de la Reforma y la Contrarreforma.

  • El concilio de Trento (1545-1563).

    • Exaltación de la Iglesia.

    • Primacía del Papa.

    • Dogmas: Inmaculada Concepción.

    • Arrepentimiento.

    • Pedagogía visual.

    • Conmoción espiritual.

  • Reforma de Órdenes y nuevas iconografías de Santos:

    • Capuchinos: 1528: franciscanos.

    • Compañía de Jesús.



  • Focos geográficos:

En los países reformistas: predomina el arte religioso y representaciones de la Monarquía; también temas mitológicos. Se desprecia el paisaje, el bodegón, temas de “género”. No en Holanda (calvinismo).

El calvinismo cree en la predestinación: una persona que le va bien en la vida ha sido elegida por Dios. En la Holanda de este momento vamos a encontrar una burguesía poderosa, que va a ser la principal clienta del arte. Quiere retratarse en las obras artísticas; además de retratar sus comidas, sus flores, sus ostentaciones, en definitiva, también quiere hacer ostentación del patriotismo. ¿Cómo? A través del paisaje, a través de grandes floreros, exuberantes, que van adornar las casas de las grandes familias burguesas.

En Holanda, además, va a haber muchas mujeres pintoras. Vamos encontrar a:

    • Judith Leyster.

    • Clara Peeters.



  • Cronología:

    • Barroco Temprano (1600-1625): Caravaggio.

    • Alto Barroco (1625-1675): Rubens, Bernini, Velázquez, Verneer, Poussin.

Nos vamos a centrar, especialmente, en esta etapa.

    • Barroco Tardío (1675- ). Rococó.

Alto Barroco:

En Francia, a mediados del siglo XVII, se rompe la evolución del Barroco: el que va a liderar Poussin. Ya veremos por qué. La mirada a la Antigüedad romana conlleva detenerse en las ruinas, por ejemplo.

ARTE BARROCO. CARACTERÍSTICAS GENERALES:

  • Elemento esencial que interesa en el Barroco: sorprender al espectador, dejarlo estupefacto. Captar la sorpresa, el momento, congelarlo: congelar el momento, dramático sobre todo. Escudo de la Gorgona.

  • Se busca también el Naturalismo, que entronca con el expresionismo. Tiende a mostrar escenas dramáticas.

  • Concentración de la tragedia, acentuada con el claroscuro y el tenebrismo.

  • Se intenta captar, además, el movimiento. Dinamismo.

  • Captación del momento.

WÖLFFLIN, Principios de la Historia del Arte (1915)

ARQUITECTURA BARROCA

  • Importancia del urbanismo. Espacios que creen una escenografía: teatralidad. Ejemplo evidente: Columnata de Bernini. Plaza de San Pedro del Vaticano, 1656. Quiere trasmitir un mensaje: los brazos de la Iglesia católica, dos brazos que se abren para acoger al fiel. En un primer momento Bernini quería acentuar el carácter de sorpresa ya antes señalado, más que la monumentalidad del lugar.

  • La arquitectura integral: el espacio arquitectónico como un todo: todo al servicio de la conmoción. No se trata de un espacio heterogéneo, sino todo concebido como un proyecto integral, homogéneo.

  • Iglesia del Hospital de la Caridad, Sevilla. Miguel Mañara, 1663-1679:

    • Espacio diseñado por Miguel Mañara. Idea el programa iconográfico del Hospital de la Caridad. Va a contar con artistas como Murillo, Roldán en el retablo mayor, Valdés Leal.

    • Mensaje: programa que persigue Miguel Mañara: el arrepentimiento. Nos encontramos en primer lugar con la postrimería: el contacto con la muerte. Vanos a morir pero hay una misericordia: a estas postrimerías le siguen 7 obras de misericordia. Meta: alcanzar la Gloria celestial. Mensaje propio de la Reforma.

  • Dinamismo en planta: vamos a ver el predominio de planta centralizada con elementos cóncavos y convexos que se organizan en el espacio. Son plantas muy dinámicas, por tanto. También vamos a ver alzados muy dinámicos. El dinamismo inunda toda la arquitectura. Arquitectura con tensiones espaciales.

Columna salomónica. No desaparecen los órdenes anteriores, pero sí va a destacar esta columna: la salomónica.

  • Iluminación sobrenatural, que conmueva. Luz que se refleje en los espejos. Espacio brillante, resplandeciente.

  • Cromatismo: muy importante en la arquitectura. Expresión de la sensualidad, de lo sensorial también en arquitectura.



  1. GIAN LORENZO BERNINI (1598-1680):

  • Arquitecto, pintor, escultor (destaca como escultor).

  • Va a estar al servicio de diferentes Papa, por tanto, va a recibir el encargo de grandes e importantes obras.

Obras:

  • Baldaquino, 1624:

    • Señala el lugar donde está la tumba de San Pedro. Realizado en bronce. Bronce que roba el Papa Urbano VIII del Panteón de Roma.

    • Influencia oriental. Tapices que cuelgan en la zona superior. Función: dar mayor decoro a la tumba del Papa.

    • Se utiliza la columna salomónica. A partir de este momento se va a consolidar. Carácter dinámico. Dinamismo: pámpanos que recorren el fuste.

    • Colaboración de Borromini: zona superior. Centro horadado que permite que pase la luz de un lugar a otro. Dinamismo. Se canaliza así la energía de la obra total.

    • Las abejas: símbolo del Papa Barberini.



  • Plaza de San Pedro del Vaticano, 1656: es su obra más importante.

    • 296 columnas y pilastras. Elige el orden toscano en la columna. Se utiliza este orden el capitel y en fuste. El friso no. Crea un espacio absolutamente novedoso. Todas las columnas están perfectamente alineadas: maravilloso bosque de columnas que van creando una danza de luces y sombras hermosísima. En el interior del peristilo: 4 columnas.

    • 162 esculturas en la zona superior: santoral católico (santos). Realizadas por otros obradores.

    • Decoración austera.

  • Iglesia de San Andrés del Quirinal. Roma, 1658:

    • Iglesia de planta centralizada.

    • Juega con espacios cóncavos y convexos. Pórtico que termina con una especie de frontón. El pórtico rompe con la influencia de la antigüedad clásica.

    • Pilastras corintias.

    • Concepto de arquitectura integral. Los gallones se corresponden con las pilastras y las pilastras con el suelo. Espacio suntuoso.

    • La luz.

    • Capillas también diseñadas por Bernini.

    • Mármoles con manchas: mármoles jaspeados. Gran impacto decorativo.



  1. FRANCESCO CASTELLI, BORROMINI (1599-1667):

  • Gran arquitecto del Barroco. Se forma con su padre (padre cantero). Personaje especial: atormentado, que finalmente le lleva al suicidio. Los grandes proyectos los va a llevar a cabo Bernini, no Borromini.

  • Obra escrita por Borromini: Opus architectonium. Espacios triangulares.

  • Palacio Spada. H. 1632.

Escalera Palacio Barberini.

Sus grandes proyectos:

  • San Carlo alle Quattro Fontane. San Carlino, 1634:

    • Dinamismo tanto en planta como en alzado. Planta ligeramente ovalada (resultado de combinar círculos, triángulos y rombos): mezcla el óvalo y la planta de luz griega. Una planta totalmente novedosa, nunca vista.

    • Exterior: fachada también dinámica. Dos zonas cóncavas. Bernini bebe de Borromini desde el punto de vista arquitectónico. Nunca visto el tratamiento de esta fachada. Se pensaba incluso que se iba a caer. Movimiento, sobre todo, en el alero superior: alero muy volado que divide la zona inferior de la zona superior (templete en la balconada). Se busca inestabilidades para crear dinamismo, movimiento.

Juego entre zonas cóncavas y convexas. Juego excepcional de luces y sombras.

    • Desde el punto de vista constructivo no tiene función alguna.

    • Tamaño pequeño, pero espectacular. Esencial: cómo conecta todo, perfectamente interrelacionado: todo unido: cúpula ovalada con casetones poligonales, cornisa, columnas.

    • A Borromini no le interesa la suntuosidad cromática (sí Bernini). Predominio del blanco, por tanto.



  • San Ivo alla Sapienza. Roma. 1650:

    • Ésta es sin duda la gran obra de Borromini.

    • Exterior: anodino, que no llama especialmente la atención.

    • Iglesia pequeña. La entrada la realiza de forma cóncava, especie de brazos que se abren al patio. El tambor encierra la bóveda y la linterna (aquí se aprecia a fantasía tan característica de toda su obra arquitectónica).

    • La planta combina el triángulo con los círculos: planta estrellada. Símbolo de la Santísima Trinidad.

    • Muros con pilastras gigantes: crean los mismos efectos que la planta estrellada.

    • Bóveda gallonada. De nuevo, ritmos cóncavos y convexos.

    • Linterna dinámica. Posible influencia islámica.

    • Cornisa de cóncavos y convexos.

    • Al exterior también se traslada ese movimiento visto en el interior.



  • Iglesia de Santa Inés, Roma, 1652:

    • Ésta es la gran obra de Borromini.

    • En la fachada también introduce elementos rehundidos.

    • Planta centralizada con algunas capillas laterales. Especie de planta de cruz griega pero con formato circular.

    • Interior: espacios de entrantes y salientes que crean tensiones espaciales.

    • Mármoles jaspeados: mármoles de colores que crean una mayor suntuosidad.

    • Pinturas del siglo XVIII.

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