Introducción. Focos geográficos del Arte en el Renacimiento. Cronología. El






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CINQUECENTO. ESCULTURA
Miguel Ángel BUONARROTI (1475-1564):

  • Es inclasificable: es del Cinquecento, es del Manierismo, es del Barroco,…

  • Recoge el “furor platónico” (dicho por Ficino).

  • Genio polifacético: arquitecto, pintor, escultor, poeta, ingeniero, militar,…

  • Dos biografías: la de Vasari y la de Condivi.

  • Muy interesantes son también sus textos: cartas, sonetos, sobre todo, los dedicados a su amiga Vittoria Colonna.

  • Infancia: pertenecía a una familia de la baja nobleza. Su padre no quería que fuese artista

A los 13 años entró en el taller de Ghirlandaio.

A los 14 años: Academia del Jardín de San Marcos. Aquí empieza a desarrollar su faceta artística. Pasión por la escultura. Estudio del cuerpo humano: disección de cadáveres.

  • Artista predilecto de los Médicis.

1496: Roma: Julio II. León X. Clemente VII. Paulo III.

  • Se adelanta al concepto de artista del siglo XIX: artista protobohemio. Se adelanta al genio romántico, por tanto.

  • Caracteres que siempre aparecen en torno a su obra: profundidad, pathos,…

  • Concepto de Arte = inventio frente a mimesis.

  • Su obra, además, es autobiográfica: proyecta su vida en su obra. Para él el arte es, sobre todo, inventio, como decimos. Reivindica la invención, no tanto la mimesis. Subraya la originalidad.

  • “Se pinta con el cerebro, no con las manos”, decía. Reivindica la labor intelectual del artista. Su obra desarrolla una gran evolución técnica, además de una gran expresividad y creatividad. Esto último es lo que le interesa principalmente a Miguel Ángel.

  • El desnudo masculino:

Desnudo = belleza espiritual. Divinidad.

Su amante: Tommaso Cavalieri.

  • Desde el punto de vista del Miguel Ángel escultor: “Vi el ángel en el mármol y tallé hasta que lo dejé en libertad”. Para él la figura está latente, viva en el interior. Concepto de la escultura: la figura está encerrada en el bloque y es el artista quien debe ayudarla a salir.

  • Modelo en cera y en barro.

Labrado directo.

Miguel Ángel analizaba siempre los mármoles; diseñaba andamios e instrumentos para trabajar sus obras.


  • Obras más importantes:

      • Baco. 1496:

        • Tema mitológico, pero pasado por el tamiz de su propia personalidad: el cuerpo echado hacia atrás, cuerpo lánguido; blandura de la embriaguez. Miguel Ángel no quiere hacer ostentación de su conocimiento: carne lánguida, blanda, mantequillosa.

        • Contraste entre el cuerpo de Baco y el del personaje que aparece a su lado. Éste es más fibroso, más fuerte.

        • Mirada de Baco: mirada ida que representa muy bien el estado anímico del personaje representado, no sólo físico.




      • Piedad del Vaticano. 1498:

        • Atracción por este tema. ¿Por qué? Le atrae el sentimiento de sufrimiento, también el de impotencia.

        • Tema de la piedad: tardogótico. Le interesa a Miguel Ángel el tema, pero va a cambiar algunos aspectos.

        • Composición piramidal.

        • Encargo del Cardenal Jean Bihères.

        • Elementos que hemos de tener en cuenta:

          • Composición piramidal, como ya se ha señalado.

          • Dualidad: contraposición de texturas, de gestos, de actitudes. La actitud de la Virgen se contrapone con la actitud de su hijo: su brazo activo frente al brazo moribundo de su hijo. Carne floja la de su hijo.

          • No le interesa aquí al artista el dolor. Se trata, más bien, de un dolor interiorizado. El hijo parece que está dormido. Es un modo de asimilar el dolor, ya pasado. Gran belleza la de Jesús en esta representación.

          • Se le criticó mucho que la Virgen tuviera un rostro tan adolescente. El artista quiso interpretar a través de la juventud de la Virgen su propia pureza interior.




  • David. 1401-1404:

      • Una de las obras más importantes dentro de la Primera Fase del artista.

      • 4 m.

      • Representación no de la fuerza física sino de la intelectual.

      • Ver diferencias con el David de Donatello.




  • Mausoleo de Julio II. 1505-

      • 8 m. 40 esculturas: profetas. Esclavos.

      • Interesa el dibujo.

      • Obra no terminada. Cuando fallece el Papa Julio II la familia no quiso que se siguiera construyendo. Solamente se realizó una tumba parietal (pegada a la pared).

      • Juego de la dualidad siempre.

      • Figura más interesante: Moisés, 1505 (aúna la tradición profana con el cristianismo). Se inspira en una figura romana: representación del río Tigris. Este Moisés: momento culminante: en cólera. Su rostro nuevamente recoge esa terrebilitá, su rostro está desencajado. Su cuerpo está también en tensión. Parece que está a punto de levantarse y gritar; transmite una gran fuerza interior, la cual se traslada también al exterior.

      • Esclavo moribundo: sensualidad, sobre todo en el rostro. Cuerpo en tensión, rostro relajado. Belleza andrógina. Hay un simio debajo del esclavo, pero no se sabe muy bien qué representa, qué significa. Se piensa que el simio es símbolo de la lujuria.

Aquí Miguel Ángel utiliza una técnica con mucha trascendencia: el “non finito”. Cuando parte de la piedra se queda sin devastar. En el siglo XIX será Rodin quien retome el “non finito”. Esto crea efectos muy expresivos. Rechazado por la Academia, pero Rodin lo retomará.


      • También para este Mausoleo El Genio de la victoria, h. 1532:

        • Movimiento helicoidal (la figura gira sobre sí misma).

        • Canon muy alargado (cabeza muy pequeña para el largo de su cuerpo).

        • Composición serpentinata.




  • Capilla funeraria de los Médicis. Florencia, Iglesia de San Lorenzo, 1520:

      • Juliano representa la vida activa.

      • Lorenzo: la vida contemplativa.


De nuevo, la dualidad que le interesa al artista:

Juliano, gran líder militar, activo, aparece como un emperador; canon alargado; composición serpentinata. Junto a Juliano: la Noche y el Día (otra vez la dualidad), que son mujeres –inspiradas en desnudos masculinos–. En el Día: quiere representar un rostro donde pueda caer la luz. “Non finito”.

Lorenzo: vida contemplativa: personaje más reposado. Junto a él: el Crepúsculo y la Aurora.


  • Las últimas obras de Miguel Ángel son aquellas que representan la Piedad:

    1. Piedad florentina. H. 1550. Serpentinata:

      • Composición piramidal, pero no estable.

      • Cristo no aparece torturado, pero sí es un cuerpo deforme.

      • Nicodemo: retrato de Miguel Ángel.

    2. Piedad de Palestina. H. 1552:

      • Lo que más interesa aquí es el drama interior.

      • Cuerpo de Cristo: desequilibrado.

      • La figura de la Magdalena no es de Migue Ángel, sino de un colaborador. Las figuras femeninas no pueden sostener el cuerpo de Cristo.

    3. Piedad Rondanini. 1561-1564:

      • Su última Piedad.

      • “Non finito”. No le interesa la belleza física, le interesa lo esencial, lo trascendental.

      • Esta figura recuerda a Giacometti o, más bien, Giacometti nos recuerda a esta obra de Miguel Ángel.


CINQUECENTO. PINTURA


  • Vamos a ver dos escuelas:

    1. Escuela Romana:

LEONARDO da VINCI

RAFAEL de SANZIO

MIGUEL ÁNGEL BUONARROTI


    1. Escuela veneciana:

TIZIANO

TINTORETTO

CORREGIO

EL VERONÉS

GIORGIONE

ESCUELA ROMANA

  1. LEONARDO da VINCI:

  • Le interesa, sobre todo, el proceso de creación. No concluía las obras (sólo 15).

  • Para él el arte es sinónimo de ciencia. Se basa en el empirismo: conocer el mundo sensible. Todo se va a basar en estudios de geometría, de óptica, de anatomía, etc.

  • No persigue la belleza sino el encanto.

  • Valora la creatividad. Idea nueva: manchas sobre el muro.

  • Temas de investigación: color/luces/sombras: color local (propio) = el color propio del objeto. Por otro lado, existe el color tonal: si ese objeto naranja tiene más luz más naranja entonces; también le interesa el color reflejado: objeto naranja junto al objeto azul: el naranja del objeto cambia.

  • Luces dispersas.

Sombras difuminadas (sfumato). Trabajo minucioso, donde el pincel no se observa, no se aprecia.
Obras:

  • Retrato de Ginevra Benci, 1474.

  • Dama del armiño, h. 1488.

  • Virgen de las Rocas, 1482 (la de la izquierda es autógrafa –hecha completamente por Leonardo–)/1503 (la realiza Leonardo pero con intervención de un ayudante de su obrador). Ver imágenes de la Plataforma.


Nombre usado para denominar dos cuadros de Leonardo da Vinci, pintados con idéntica técnica pictórica de óleo sobre tabla. Hay, pues, dos versiones: en el Museo del Louvre y en la National Gallery de Londres.

La del Louvre se considera que es la versión original. Se trata de una obra que tuvo éxito inmediato y fue copiada innumerables veces.

La de la National Gallery se acepta como posterior a la del Louvre: apunta a un estilo más maduro, pero se cree que la pintó con ayuda de otros artistas.


      • Formato piramidal. Tema apócrifo.

      • Interesante: a pesar del estatismo, hay un sentimiento de movilidad, de movimiento. Ritmo encadenado entre las figuras.

      • El paisaje: invención de los Alpes.

      • Perspectiva aérea: los contornos se van diluyendo a medida que vamos hacia el fondo.

      • La Virgen está sentada en el suelo de un refugio rocoso entre montañas. El paisaje que se divisa entre las rocas es alpino, sin parecido a la Toscana. Es un ambiente absolutamente innovador, en el que las figuras se agrupan formando una pirámide, envueltos por un paisaje salvaje de rocas que caen y aguas que se arremolinan.

      • Destaca en la versión del Louvre el delicado sfumato leonardesco que deshace los contornos de las figuras, creando un ambiente misterioso e irreal. Es reseñable también la precisión del dibujo, que se detiene en las plantas del primer plano reproduciendo exactamente las variadas especies vegetales. En la versión londinense, en cambio, las plantas aparecen descritas de forma sumaria y repetitiva reforzando la tesis de la copia. En lugar de penumbra aparecen sombras duras y reflejos metálicos y una iluminación casi lunar.

      • La Virgen está en el centro con la mano derecha sostiene a Juan Bautista, a quien la Virgen está mirando. A su izquierda hay un ángel sentado, más abajo que la Virgen. Más abajo aún está el Niño Jesús sentado y él también mira a Juan Bautista. La Virgen predomina en la imagen.

Las figuras de la versión londinense son más grandes y los drapeados más sencillos.


  • Sagrada Cena. 1488-1498 (temple y óleo):

      • A los 15 años de haberla realizado muchas partes se cayeron.

      • Se encuentra en Santa María delle Grazie.

      • No intentaba hacer un trampantojo, pero sí crear una gran profundidad.

      • Perspectiva lineal y atmosférica.

      • Gran trascendencia la de esta obra en la Hª del Arte. Sobre todo, la posición.

      • A Leonardo le interesaba crear una mayor tensión. Logra captar las diferentes actitudes de los apóstoles. La organización de los apóstoles: de 3 en 3. ello sigue un esquema de tríadas platónicas. En la obra los discípulos y Jesús aparecen sentados y detrás de ellos se puede apreciar un paisaje como si fuera un bosque e incluso como si fuera el paraíso. Los discípulos están identificados, dichas identificaciones provienen de un manuscrito autógrafo de Leonardo hallado durante el siglo XIX.

      • Aunque se basa en las representaciones precedentes de Ghirlandaio y Andrea del Castagno, Leonardo crea una formulación nueva.

La mesa con los 13 personajes se enmarca en una arquitectura clásica representada con exactitud a través de la perspectiva lineal, concretamente central, de manera que paraece ampliar el espacio del refectorio como si fuera un trampantojo salvo por a diferente altura del punto de vista y el monumental formato de las figuras. Esta construcción en perspectiva es lo más destacado del cuadro.

La escena parece estar bañada por la luz de as tres ventanas del fondo, en las que se vislumbra un cielo crepuscular, de igual manera que por la luz que entraría a través de la ventana verdadera del refectorio.


  • La Gioconda. H. 1503:

      • Retrato de la esposa de Francesco Bartolomeo del Giacondo. Se trata de Mona Lisa Gherandini.

      • Figura sedente en una logia.

      • En el paisaje hay un puente: homenaje a la ingeniería.

      • Lo más cautivador de esta obra: la expresividad del rostro (sfumato muy suave que crea un efecto inquietante). No tiene cejas debido a una restauración posterior. Lo que dicen sus ojos no se parece a lo que dicen sus labios. Sfumato hermosísimo también en las manos. Carácter enigmático.

      • Óleo sobre tabla de álamo, retocado varias veces por el autor. La técnica usada es el sfumato, como venimos diciendo.

      • Descripción: en este retrato, la dama está sentada en un sillón, y posa sus brazos en los apoyos del asiento. En sus manos y sus ojos puede verse un claro ejemplo del esfumado y también puede destacarse el juego que hace con la luz y la sombra para dar sensación de volumen.

Aparece sentada en una galería, viéndose en el borde izquierdo del cuadro la base de una de las columnillas. La galería se abre a un paisaje inspirado en las vistas que Leonardo pudo alcanzar a divisar en los Alpes, cuando hizo su viaje a Milán. El paisaje posee una atmósfera húmeda y acuosa que parece rodear a la modelo.

En medio del paisaje aparece un puente, elemento de civilización, que podría estar señalando la importancia de la ingeniería y la arquitectura.

La modelo carece de cejas y pestañas, posiblemente por una restauración demasiado agresiva en siglos posteriores. El personaje dirige la mirada ligeramente a la izquierda y muestra una sonrisa considerada enigmática. Sobre la cabeza lleva un velo, signo de castidad y atributo frecuente en los retratos de esposas de la época.

El brazo izquierdo descansa sobre una butaca; la mano derecha se posa encima de este brazo. Esta postura transmite la sensación de serenidad y de que el personaje retratado domina sus sentimientos.

La técnica de Leonardo se aprecia con más facilidad gracias a a inmersión de la modelo en la atmósfera y el paisaje que la rodean, potenciada además por el avance de la perspectiva atmosférica del fondo, que sería logro final del Barroco, y en la que los colores tienden al azulado y la transparencia, aumentando la sensación de profundidad.

  • Santa Ana, la Virgen y el Niño. 1508-1510:

      • Iconografía medieval que Leonardo recupera.

      • Composición arcaizante que no se va a utilizar en el Barroco.

      • Estamos ante otra composición piramidal, pero hay un ritmo encadenado entre las figuras, no estatismo, aunque aparente.

      • Rostros ambiguos y andróginos.




  • San Juan Bautista. 1513-15:

      • Sfumato.

      • Con el Concilio de Trento algunas de estas obras fueron ocultadas.


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