Introducción. Focos geográficos del Arte en el Renacimiento. Cronología. El






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FRA ANGÉLICO (1390-1455):


Pintor cuatrocentista italiano que supo combinar la vida de fraile dominico con la de pintor consumado. Fue llamado Angélico por su temática religiosa, la serenidad de sus obras.

Fra Angélico combinó la elegancia decorativa del Gótico con el estilo más realista de otros maestros del Renacimiento como el pintor Masaccio y los escultores Ghiberti y Donatello, que trabajaban en Florencia, y aplicó también las teorías sobre la perspectiva de Alberti.

Las expresiones de devoción en los rostros son muy logradas, así como la utilización del color. Su maestría en la creación de figuras monumentales, en la representación del movimiento y en la capacidad para crear planos de profundidad a través de la perspectiva lineal, especialmente en los frescos realizados en Roma, lo confirman como uno de los grandes pintores del Primer Renacimiento.


  • Anunciación del Museo del Prado. 1430-1432:

      • Destaca la claridad.

      • Tardogótico.

      • Perspectiva lineal.

      • Colorido brillante, armonioso.

      • Luz sobrenatural.

      • Tratamiento arcaizante el de Fra Angélico. La esencia de la Antigüedad clásica no aparece.

      • Aquí se contrapone el pecado original (Adán y Eva expulsados del Paraíso) con la pureza (la Virgen).


Tema principal: la anunciación del arcángel San Gabriel a la Virgen María. Junto al tema de la anunciación se puede ver en un lateral la escena de Adán y Eva, expulsados del Paraíso. Parece que las dos escenas suceden a la vez: el pecado (Adán y Eva expulsados del Paraíso) y la redención (el nacimiento de Jesús).

Nos cuenta esta pintura simultáneamente el fin del Antiguo Testamento y el inicio del Nuevo Testamento.

Destaca en la escena de Adán y Eva el detallismo, lo bien tratada que está la naturaleza. Esta pintura recuerda a los tapices del norte de Europa.

Marco arquitectónico irreal, muy frágil, pero muy elegante. Destacar también el colorido: el azul y las tonalidades doradas.

Fuerte sentido de perspectiva.


    1. Paolo UCELLO (1397-1475):

      • Más en la línea del pintor Masaccio. También se forma en el obrador de un escultor: Ghiberti. Su pintura es también escultórica, caracterizada por los volúmenes.

      • Uso del trampantojo.

      • Monumento funerario al Condottiero Giovanni Acutto. 1436. Cat. Florencia.

      • Batalla de San Romano. H. 1438-1456:

        • aquí se pone de manifiesto su experimentación.

        • Son 3 pinturas que forman parte de una misma serie; 3 obras de gran formato, de composición compleja, muy dinámica, espacios de paisaje al fondo, escorzos muy arriesgados que trataban de poner valor sus avances técnicos.


    1. Sandro BOTTICELLI (1445-1510):


Nacido en Florencia.

Convertido en el máximo intérprete del neoplatonismo de la época, con su fusión de temas cristianos y paganos y su elevación del esteticismo como un elemento trascendental en el arte. Botticelli opta por la representación de los sentimientos.

En sus obras la influencia del Realismo Gótico está atemperada por el estudio que Botticelli hace de la Antigüedad. Los temas resultan fascinantes por su ambigüedad.



  • El más importante de los pintores del Quattrocento italiano.

  • Gusto por la representación muy minuciosa, muy precisa. Fue también orfebre.

  • Va a crear un prototipo de Madonna que va a perdurar hasta el siglo XIX: belleza serena, sin grandes expresividades, pero que transmite una gran dulzura y belleza interior; carácter alargado = elegancia.

  • Lorenzo de Médici: va a ser su mecenas.

  • Madonna del Magnificat. 1481:

      • Obra de las más importantes de Botticelli:

        • Recupera el formato circular: el tondo. Lo recupera de las medallas de la Antigüedad clásica.

        • Representa la Madonna del Magnificat, el libro que está escribiendo.

        • El tondo condiciona la composición. La tensión se concentra en el interior; hay, pues, que articular muy bien la composición. Visión en gran angular, podríamos decir hoy. El cuerpo de la Virgen se curva para tener esa forma del tondo. En definitiva, todo lo representado en la obra adaptado a la forma del todo.

        • Refinamiento, exquisitez, a la hora de representar la anatomía; serenidad, tranquilidad. Carácter placentero.

        • Melancolía siempre en los personajes femeninos.

        • El carácter de orfebre se observa aquí: por ejemplo, en el posabrazos de la silla, en el cabello, etc.




  • La Primavera. 1481:

      • Obra maestra del pintor italiano. Realizada al temple sobre tabla.

      • Obra impregnada de cultura humanística y neoplatónica. Se presenta una atmósfera de fábula mitológica en la que se celebra una especie de rito pagano. Rompe con la pintura religiosa cristiana al ilustrar un rito pagano de primavera, por tanto.

      • Opta aquí por un formato monumental, con figuras de tamaño natural y lo compagina con una gran atención del detalle.

      • Figuras de elevada estatura, delgadas, alargadas, muy idealizadas. Presagian el estilo elegante del Manierismo del siglo XVI.

      • Como fuente iconográfica para la representación de las tres Gracias Botticelli parece recurrir a la Puerta del Paraíso de Ghiberti en el Baptisterio de Florencia.

      • Bosque ordenado y vertical para servir de fondo, casi plano y severo. Los personajes se sitúan en un paisaje de naranjos, árboles tradicionalmente relacionados con la familia de los Médicis. Detrás de Venus hay un mirto, planta tradicionalmente sagrada para ella. La parte derecha está hecha de árboles doblados por el viento o por la fuerza creadora, en concreto laureles (alusión al novio).

      • El suelo es una capa de hierba muy oscura en la que están detalladas flores típicamente toscanas que aparecen en el mes de mayo.

      • Fuente literaria para esta obra: Las metamorfosis de Ovidio.

      • Realizada para Lorenzo Pierifrancesco Médici.

      • En la actualidad hay algunas hipótesis al respecto del significado de esta obra, pero no se sabe a ciencia cierta cuál es el significado verdadero, completo. Sí sabemos que el personaje central es Venus (Afrodita), también sabemos que están en el Jardín de las Espérides.

      • Representación de Simonetta Vespucci.

      • Interesante: la obra tiene un punto un tanto arcaizante. Parece como si estuviésemos frente a una obra de teatro. No hay sentido de perspectiva.

      • Influencia neoplatónica: el amor y la belleza platónicos.

      • Estudio perfecto de la anatomía, también estudio minucioso de las flores (estudio científico).




  • El Nacimiento de Venus. 1484 (anadiómena). Apeles: Plinio, Ovidio, Poliziano.

      • Temple sobre lienzo.

      • Misma fuente literaria que la obra anterior.

      • Según cuenta la leyenda: Venus, diosa del amor, nació de los genitales del dios Urano, cortados por su hijo Crono y luego arrojados al mar. El título de la obra no es, por tanto, exacto, ya que el cuadro no representa el momento del nacimiento de la diosa, sino que muestra la llegada de Venus, sobre una concha, a la playa de una de las islas que tradicionalmente se le dedican, como Chipre, Pafos, etc. La diosa es empujada por el soplo de los dioses alados, entre una lluvia de flores.

      • Nuevamente es Venus la protagonista.

      • No se complica tampoco con el tema de la perspectiva, pues le interesa más el tratamiento de las figuras.

      • Venus es Venus pudicitia:

        • Representación de la belleza ideal, intelectual.

        • Melancolía en sus ojos.

        • Movimiento del cabello. Hay, pues, cierta sensación de movimiento, aunque es estática en sí. Cierto balanceo hacia la izquierda le crea dinamismo.

        • Desde los tiempos de la Roma clásica no se había vuelto a representar a esta diosa pagana desnuda y de tales dimensiones: el desnudo femenino, considerado pecaminoso en el arte medieval cristiano, se recupera en el Renacimiento como símbolo de inmaterialidad. Esta Venus no representa el amor carnal o el placer sensual sino que se acerca más al ideal de inteligencia pura o saber supremo. Venus sustituye a la Virgen.




  • Marte y Venus. 1483:

      • Esta obra siempre se ha entendido como una manera de que el amor vence a la guerra. El Amor ha vencido a Marte.

      • Retrato otra vez de Simoneta Vespuci. Murió joven, de tisis. Melancolía de nuevo en su rostro.




  • Natividad. 1500:

      • Última etapa de Botticelli. Se volvió arcaizante. Se va a alejar de la influencia neoplatónica y se va a acercar a tardogótico. Pintura más oscura, más pesimista. Las escalas son diferentes. Las telas no marcan anatomía, las figuras huyen de lo corporal. El cromatismo también cambia totalmente.

      • Impacto de Savonarola: influencia.



  1. Andrea MANTEGNA (1431-1506):




  • Cristo muerto. 1474.

  • Cámara de los esposos. Palacio ducal Mantua. 1473:

      • Obsesión por captar la perspectiva.



El Cinquecento italiano: introducción al clasicismo
Es un periodo dentro del arte europeo, especialmente el italiano (1490-1527). Se caracteriza intelectualmente por el paso del teocentrismo medieval al antropocentrismo humanista de la Edad Moderna, y estilísticamente por la búsqueda de las formas artísticas de la antigüedad clásica y la imitación de la naturaleza, lo que se ha denominado Renacimiento.

Comprende dos fases:

  • Alto Renacimiento: últimos años del siglo XV y primeras décadas del siglo XVI.

  • Bajo renacimiento o Manierismo: a partir de 1527.




  • Florencia deja de ser la capital económica del momento:

      • Crisis económica.

      • Influencia de Savonarola.

      • 1494: exilio de los Médicis.

Florencia se convierte en una sombra.

  • 1503: Roma tiene como Papa a Julio II (Papa guerrero, conflictos con Carlos V, amplía sus territorios y va a hacer que los artistas más importantes trabajen para los servicios del Papado).

  • 1527: saqueo de Roma (“Sacco di Roma”). A partir de 1527 hablaremos ya de manierismo.


Caracteres esenciales del Cinquecento romano:

  • Abandono del carácter anecdótico por la depuración. Interesa la claridad, la pureza, lo esencial.

  • Monumentalidad.

CINQUECENTO. ARQUITECTURA

Clasicismo sobrio: “estilo romano” se le denomina.


  1. BRAMANTE (1444-1514):

  • San Pietro in Montoro. 1502:

      • Sólo tiene un carácter conmemorativo, monumental.

      • Se inspira en la Antigüedad clásica, en los tholos (Templo de Vesta).

      • Alarde de perfección en las proporciones. Escala preciosista, pequeña, pero maravillosa.

      • Aquí predomina la piedra con una austeridad absoluta. Apenas hay elementos decorativos, anecdóticos. Todo es simplicidad, simetría, orden y perfección.




  • Bramante se va a convertir en el arquitecto preferido del papa. Se le va a pedir la construcción de San Pedro del Vaticano, se le encarga a él. En ese proyecto va a destruir la arquitectura paleocristiana. Su proyecto: planta centralizada (recordar: en el Renacimiento tanto el cuadrado como el círculo: símbolos de la perfección): cruz griega inscrita en un cuadrado.

En cuanto a la cúpula, se inspira Bramante en el Panteón. Destaca, sobre todo, la cúpula, pero apenas se llegó a construir, porque Bramante murió pronto. Su proyecto se quedó, pues, inconcluso. Sustituto: Rafael (pintor esencialmente). Tampoco pudo construir este proyecto. De Rafael se pasa Sangallo y de éste a Miguel Ángel.



  1. MIGUEL ÁNGEL (1475-1564):

  • Se encarga, por tanto, del proyecto de San Pedro del Vaticano: en 1546. Vuelve a la planta centralizada (influencia de Bramante), pero los ángulos más reducidos. De alguna manera, Miguel Ángel simplifica el proyecto de Bramante. Con Miguel Ángel la obra se hace más fluida.

El artista no pertenece a un estilo concreto. Es inclasificable. Da un movimiento a los paramentos que se anuncia en el siglo XVII con más solidez. Pilares monumentales, orden nuevo: “gigante” se llama. Anticipa, pues, el Manierismo y el Barroco.

Si comparamos la cúpula con la de Brunelleschi, ésta queda un tanto achaparrada.

Pero, finalmente, el planteamiento de Miguel Ángel tampoco se llevó a cabo. Lo único que se conserva de Miguel Ángel: la cúpula: inspirada también en el Panteón (tambor circular), los frontones rectos y curvilíneos, rompiendo así la monotonía y creando un mayor dinamismo; columnas pareadas. Siempre con la austeridad del Cinquecento, eso sí.

En el interior: pilastras de orden gigante –escala desbordando hasta lo visto hasta este momento, no en la Antigüedad clásica–. Todo lo demás: muy modificado, sobre todo, en el Barroco.


  • Como arquitecto, no sólo va a desarrollar este proyecto, sino que también va a ser urbanista, además de pintor, escultor, poeta,…

  • Plaza del Campidoglio. 1534:

      • No se utilizaba desde el Imperio romano. Estaba completamente abandonada. Pero Migue Ángel va a crear un vínculo entre esta Piazza y el Vaticano, la va a cerrar, va a construir otro palacio, esto es: la cierra para dirigirla hacia el Vaticano. Elogio al Papa.

      • Plaza trapezoidal. Crea un espacio teatral.

      • Se anticipa al Manierismo: acentúa el concepto de profundidad espacial: eje direccional. El sentido de perspectiva es mucho más acusado.

      • Crea también este pavimento: en el centro coloca una escultura de Marco Aurelio ecuestre.

      • Diseña, asimismo, la rampa: comodidad.



  1. Jacopo VIGNOLA (1507-1573). Giacomo della PORTA (H. 1540-1602):

  • Prototipo de la Iglesia contrarreformista. Iglesia en la que se intenta prescindir de todo lo anecdótico.

  • A partir del Concilio de Trento: auge de los sermones. Esta arquitectura contribuye a dar auge al sermón.

  • Tenemos aquí (ver imagen de la Plataforma) un ejemplo de Iglesia jesuítica contrarreformista:

      • Una nave.

      • Capillas laterales, no aisladas sino interconectadas.

      • Se pretende crear un espacio coherente.

      • Púlpito central. Tribuna.

      • Fachada: Giacomo della Porta: conectar la parte superior con la inferior. Influencia también de Miguel Ángel.

      • El interior: Jacopo Vignola (influencia de Miguel Ángel). Las decoraciones son barrocas.



  1. Andrea PALLADIO (1508-1580):

  • A medio camino entre el Cinquecento (tiene la esencialidad: simetría perfecta, perfectas proporciones, el círculo como símbolo perfecto; en definitiva: tiene la armonía característica del Cinquecento) y el Manierismo (su uso del orden gigante en las columnas).

  • También tratadista: I Quattro Libri dell’Architettura. 1570.

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