Introducción. Focos geográficos del Arte en el Renacimiento. Cronología. El






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QUATTROCENTO. ARQUITECTURA


  1. Filippo BRUNELLESCHI (1377-1446):

  • Visión del artista humanista: pintor, escultor, arquitecto, ingeniero, matemático,…

  • Renovación de proporciones clásicas. Influencia clásica, por tanto: Panteón; influencia bizantina también. Brunelleschi es el gran renovador de las proporciones clásicas en este periodo.

  • Hospital de los Inocentes (1419-1424/27). Fachada:

    1. Recupera la “logia” (influencia clásica): logia equilibrada, serena. Es un cuadrado el que se repite de manera serena y equilibrada.

    2. En las enjutas colabora el escultor florentino Lucca della Robbia.

    3. En los medallones aparecen niños, pues el Hospital de los Inocentes está dedicado a ellos, de ahí el nombre.

    4. Se trata de un edificio de gran horizontalidad. En el cuerpo inferior se dispone de un pórtico con arcos de medio punto sobre columnas de orden compuesto, que se independiza visualmente del resto de la construcción. En las enjutas de los arcos, además, hay tondos o medallones con figuras blancas (bebés que piden) sobre fondo azul. Es el único elemento figurativo, ya que Brunelleschi desnuda esta fachada del Hospicio de los Inocentes del resto de elementos decorativos.




  • Otra obra importante de Brunelleschi: Catedral de Santa María de las Flores (1420), Florencia:

    1. Concurso en 1418: Cúpula de 45 m. de diámetro.

La cúpula de la Catedral de Florencia o Santa María de las Flores es su obra más famosa. Esta enorme cúpula no sólo destaca sobre el conjunto de la iglesia sino que es una referencia visual en toda la ciudad de Florencia.

La Catedral de Florencia es gótica y fue realizada por Arnolfo di Cambio, pero estaba sin concluir pues el crucero se encontraba sin abovedar.

Por la altura del edificio, la cúpula que cubriera dicho crucero no podía ser totalmente semiesférica. La solución que llevó a cabo Brunelleschi fue una superposición de 2 bóvedas esquifadas, octogonales, una dentro de otra, hechas de ladrillo, divididas en tramos a modo de gajos. Por su casquete alargado recuerda al Gótico. Es la primera vez que la estructura bien definida de una cúpula ofrece el mismo aspecto en el interior que en el exterior:

Brunellleschi creó, inventó, instrumentos para construir la cúpula, tuvo que formar a los albañiles, a los constructores, porque había a este respecto un gran desconocimiento.

Desde un principio Brunelleschi anticipa lo que será la arquitectura contemporánea. Tiene dibujado todo, todo lo que será la obra final.

Cimborrio octogonal. La cúpula de Brunelleschi se sostiene por sí misma. Secreto: en realidad se trata de 2 cúpulas: pared interior –cúpula interior estructural– y pared exterior. Entre ellas hay unos armazones realizados en mármol. La cúpula interior está construida en piedra maciza, no es mármol, pero es pesada; más altura, por tanto: piedra arenisca, es decir, pesa muy poco. La pared exterior está realizada en ladrillo (pesa poco).

La linterna fue proyectada también por Brunelleschi, pero terminada por un discípulo suyo. Se trata, pues, de una cúpula apuntada con linterna: 8 nervios/tejas rojas, 51 metros.

Brunelleschi no llegó a terminar el interior de la cúpula.
Algunas características:

      • El punto de fuga cae en el altar.

      • Casetones en la nave central. Novedad: nave central con cubierta plana.

      • Otra novedad: bóveda de vaída, también conocida como bóveda de pañuelo.




  • Iglesia de San Lorenzo. 1422:

    1. Proyectada por Brunelleschi pero no llegó a terminarla. Podría decirse que está en bruto.

    2. Caracteres a destacar:

      • Modelo basilical paleocristiano.

      • Círculo y cuadrado.

      • Módulo cuadrado del crucero.

      • Planta de cruz latina.

      • Cubierta plana con casetones.

      • Novedad: bóveda de vaída (= bóveda de pañuelo).

      • La fachada no llegó a cubrirse.



  1. León Baptista ALBERTI (1404-1472):

Abogado, arquitecto, sacerdote, matemático, poeta italiano, músico, lingüista, filósofo, arqueólogo: humanista. Papado: secretario personal de tres Papas.

Tratado De re aedificatoria, 1443.

Sección áurea como elemento fundamental.


  • San Andrés de Mantua (1472 póstuma). Francelli.

En 1459 es requerido en Mantua a instancias de Gonzaga. Su primera intervención en dicha ciudad es la iglesia de San Sebastián y su segunda intervención, también por encargo de los Gonzaga, es la iglesia de San Andrés, erigida para reemplazar una capilla anterior. Alberti presentó su proyecto, inspirado en un modelo etrusco tomado de Vitruvio.

La iglesia tiene planta de cruz latina y una nave única, con capillas laterales rectangulares, inspirándose en el Arco de Triunfo clásico como el Arco de Tito. La fachada se puede inscribir en un cuadrado, así como todas las medidas de la nave:


    1. Se basa en el Arco de Tito (fachada).

    2. Su proyecto era mucho más desarrollado, pero no pudo realizarlo.

    3. Novedad que propone: una iglesia con una única nave y capillas laterales.

    4. El interior: recuerda a la Basílica de Majencio. Tiene la misma solidez, la misma monumentalidad que la de Majencio (arcos de medio punto, bóveda de cañón). Se vincula más al Cinquecento.



QUATTROCENTO. ESCULTURA
Puertas del Baptisterio.

Concurso: Brunelleschi y Ghiberti: ganó Ghiberti –Brunelleschi tras este suceso no se volvió a dedicar a la escultura–.

  • Brunelleschi plantea una historia didáctica. Es más tardogótica que renacentista.

  • Ghiberti se acerca más a la mentalidad renacentista (naturaleza: rocas; tratamiento de la anatomía más naturalista; recuerda a la antigüedad clásica).


Pomponio Gáurico, De sculptura, 1504:

  • Influencia grecolatina.

  • Técnicas:

    1. Bronce fundido.

    2. Mármol labrado sin policromar.




  1. Lorenzo GHIBERTI (1378-1455):

Escultor, orfebre, arquitecto, tratadista.


  • Puertas del Baptisterio de la Catedral de Florencia:

    1. Dedicadas a San Juan Bautista.

    2. Escenas con marco arcaizante: perfil mistilíneo. Se representan diferentes historias. Sobre todo, lo interesante aquí es el desarrollo de profundidad espacial, la perspectiva.

    3. Las “Puertas del Paraíso”. 1425:

      • Bronce pulido. Color dorado.

      • La sensación de perspectiva es muy interesante. Ghiberti estaba tan orgulloso que, incluso, se retrató.

      • Se cuentan episodios del Antiguo Testamento.

      • En estas “Puertas del Paraíso” destaca la representación de Adán y Eva (lectura en zig-zag). Eva: ideal de belleza femenina; en Dios: utilización de los pliegues de modo austero. No se pretende nada pedagógico, la lectura es muy compleja (propio del Renacimiento).

      • También destacar la Historia de José: toda la historia se desarrolla a través de diferentes planos espaciales –característico del Quattrocento, no del Cinquecento–.

      • La Historia de Esaú y Jacob (hijos de Isaac). Nacimiento.

      • Batalla contra los filisteos.



  1. DONATELLO (1386-1466):




  • David. H. 1443:

    1. Es la figura más relevante de la escultura del Primer Renacimiento.

    2. Donatello se inspiró en Antínoo –ver escultura romana–.

    3. Representa a un David simbólico: cuerpo débil, lánguido; pose: contrapposto, curva praxiteleana; el rostro de David es el rostro andrógino visto en Antínoo.

    4. Elemento esencial: es el primer escultor que retoma el desnudo en escultura. El desnudo tiene una simbología muy importante en el Renacimiento.

      • Realiza, además, un estudio anatómico muy preciso, pero de una manera muy suave, un volumen muy suave, apenas hay contraste de luz y sombra.

      • Utilización de una pátina artificial en el rostro: someter el bronce a una corrosión forzada para crear gradaciones tonales (oscilaciones entre marrón, verde oliva,…). Ello le da grandes cualidades pictóricas a la obra. Es una técnica que no se había utilizado antes.


Descripción obra:

A principios del Quattrocento, Donatello descubrió la representación heroica de la adolescencia, que más tarde exaltarían los humanistas, en el sentido de una conciencia nueva de la dignidad y la excelencia del ser humano. En su madurez artística, la actividad de Donatelllo fue innovadora y experimental, y es cuando realiza su “David” de bronce.

Interpretación de un tema bíblico: la victoria de David sobre Goliat, un gigante filisteo. Se interpreta este tema como un desnudo clásico. Fue el primer desnudo integral, de bulto redondo, que apareció en la escultura renacentista. Se trata de un desnudo natural, ponderado, pero muy expresivo debido a la firmeza de las líneas compositivas. Donatello muestra un David adolescente, desnudo, con el pie sobre la cabeza de Goliat, que acaba de cortar con la propia espada de su enemigo y que David aún la sujeta con su mano derecha. Con la otra mano sostiene la piedra con la que lo hirió. Tiene la expresión serena y cubre su cabeza con sombrero de paja típico de la Toscana; lleva también una corona de hojas de amaranto, en clara alusión al heroísmo griego, y sus pies están calzados con unas botas.
Análisis obra:

La actitud que presenta el cuerpo, apoyándose sobre la pierna derecha, es una influencia clara del estilo de Praxíteles, que se conoce en el mundo del arte como la “curva praxiteleana” o contrapposto, y que contribuye a romper la ley de la frontalidad proporcionando un movimiento más armónico al cuerpo.

Proporciones del cuerpo perfectas y un perfecto equilibrio.

El Renacimiento adoptó los elementos básicos que había descrito Vitruvio, que sostenía que “la proporción de la forma humana había de servir de paradigma para las proporciones de las creaciones del ser humano” (D’architectura, s. I).

El modelado muscular es muy suave, difuminado, casi diríase femenino y el acabado que presenta el bronce es todo liso para simular la suavidad de la piel. Constituye un magnífico ejemplo de estatuaria en bronce.

Según Vasari: “Es una figura tan natural y de una belleza tal que a los artistas les cuesta creer que no haya sido modelada sobre un modelo viviente”.

*Se puede relacionar con otras representaciones: el de Verrochio, el de Miguel Ángel, también Bernini.



  • Otra novedad: Condot(t)iero Erasmo de Narni. 1453:

    1. monumento funerario. Padua.

    2. Recupera Donatello el retrato ecuestre, abre, pues, a puerta a este tipo de retrato = símbolo del poder y el prestigio.

    3. Se inspira para el retrato en los emperadores romanos. En el rostro combina la idealización de los emperadores pero se aprecia también a su vez el rostro de Gattamelata (Erasmo de Narni) con esa rigidez en los labios y su mirada introvertida.




  1. Andrea de VERROCCHIO (H. 1435-1488):

Discípulo de Donatello.


  • Il Colleoni. 1479. Venecia.

    1. Condottiero pero en este caso en Venecia.

    2. Retrato también ecuestre.


QUATTROCENTO. PINTURA


  • Carácter intelectual, complejo, que tiene la pintura del Quattrocento. Los temas suelen ser complejos: arte cortesano, vinculado a la élite.

  • Recuperación de la Antigüedad.

  • Primer ejemplo de la Plataforma: pintura realizada por Botticelli, inspirada en la Calumnia, Apeles, Luciano de Samosata:

    1. Presentación de la inocencia ante los jueces.

    2. La verdad y la inocencia se representan desnudas: el desnudo no tiene un carácter erótico, sino que representa un ideal elevado.

    3. Hay muchas lecturas de esta obra pictórica.

  • Elementos a tener en cuenta en la pintura del Quattrocento:

    1. Pocos restos romanos llegan a este momento. Escasos restos clásicos, por tanto.

    2. Más libertad para desarrollar la pintura, más libertad que en escultura o en arquitectura.

    3. En el siglo XV: Francesca define la pintura como: disegno, commensuratio (medida, proporción), colorire.

En el siglo XVI: Dolce habla de: disegno, invenzione, colorito. Es decir. Se empieza a valorar el virtuosismo tanto en el ámbito de la perspectiva como en el ámbito de la anatomía, etc.

Gáurico habla de: designatio (forma) y animatio (contenido/expresión).


  • En el Quattrocento vamos a ver:

    1. Naturalismo/idealización: no en el norte de Europa donde vamos a ver un naturalismo feroz, muy realista, no idealizado como en Italia (influencia grecolatina).

    2. Cromatismo frío.

    3. Atmósfera transparente, aunque, más bien, podríamos decir que no existe tal atmósfera. En definitiva: no hay aire, no hay atmósfera.

    4. Carácter anecdótico. Carácter miniaturista.

Interesa lo esencial.

Preciosismo.

    1. De la línea a la superficie. Enlazaremos esta pintura con la del Barroco.

  • Técnicas:

    1. Temple.

    2. Fresco (visto en el tardogótico).

    3. Novedad: pintura al óleo. Problemas que va a presentar: tarda mucho en secarse. Aspecto positivo: el artista puede cambiar, modificar la obra. El óleo se convierte en una técnica mucho más manejable para los artistas. Además, el óleo permite realizar veladuras (capas de pintura muy diluidas que crean una capa casi transparente). Dan un carácter especial a la pintura.



  1. MASACCIO (1401-1428):

Su formación es muy importante, se forma con Brunelleschi y Donatello, se forma con escultores. En este sentido, su pintura va a ser muy escultórica, muy preocupada por los volúmenes.

Vamos del tardogótico al Primer Renacimiento.


  • Tríptico de San Juvenal. 1422:

      • San Bartolomé, San Blas, San Juvenal, San Antonio.

      • Se aprecia esa influencia escultórica ya señalada (ej.: anatomía del Niño). Nueva manera, pues, de entender la anatomía humana: corpulencia.

      • Veladuras en la Virgen: carácter transparente, sutil.




  • Santa María del Camine de Florencia: Capilla Brancacci:

      • “Expulsión de Adán y Eva del Paraíso”:

        • Muy polémica esta obra, principalmente por el desnudo (se tapó la desnudez, se cubrió).

        • Alude a la simbología platónica en torno a la belleza interior del ser humano. Como vemos, la belleza interior se puede apreciar en el exterior. Aquí, una vez expulsados del Paraíso: la fealdad del interior se aprecia en la fealdad del cuerpo físico.

        • Obra al fresco: se pueden apreciar las jornadas.

      • “El tributo de la moneda”:

        • Tratamiento volumétrico de las figuras.

        • Rostros idealizados.

        • Paisaje naturalista.




  • Santísima Trinidad de Santa María Novella. 1426-1428:

      • Es uno de los primeros retratos de donantes.

      • Masaccio se sirve de los puntos de vista para jerarquizar la importancia de los personajes. Los capiteles de color rojizo ayudan a ello. Utiliza, de este modo, eso que se llama trampantojo.


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