Introducción. Focos geográficos del Arte en el Renacimiento. Cronología. El






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EL ARTE EN LA EDAD MODERNA

ARTE RENACENTISTA


  • Introducción. Focos geográficos del Arte en el Renacimiento. Cronología. El

Humanismo renacentista y el Arte.

  • El Arte en el Renacimiento: características generales.

  • El Quattrocento italiano: la recuperación de la Antigüedad clásica.

Arquitectura; Escultura; Pintura.

  • El Cinquecento italiano: introducción al clasicismo. Arquitectura: el "estilo

romano"; escultura: Miguel Ángel; Pintura: escuelas romana y veneciana.

  • Arte Manierista: el universo de la Wunderkammer. Arquitectura. Escultura.

Pintura.

  • FLANDES: La escuela pictórica flamenca.

  • ALEMANIA: Erasmo y la Reforma protestante. Durero.

  • ESPAÑA: introducción. Arquitectura. Escultura: devocional y cortesana.

Pintura.
*
Introducción:


  • El término: son muchos los autores que prefieren utilizar el término “renacimientos” (en plural) en lugar de “renacimiento” (en singular). Pero lo cierto es que después de esa oscuridad medieval se da paso a una época luminosa: el Renacimiento.

  • Renacimiento: Petrarca, Boccaccio.

  • Siglo XVI: Vasari, Le Vite (1550): “rinascita”.

Siglo XIX


  • En Italia vamos a ver 2 grandes escuelas con dos áreas geográficas:

    1. XV. Quattrocento: Florencia, Padua, Venecia, Umbría.

    2. XVI. Cinquecento: Roma, Venecia, Milán.




  • Cronología:

    1. Protorrenacimiento

    2. El Quattrocento es considerado el “Primer Renacimiento”: 1380-1480.

    3. El Cinquecento oscila entre el año 1490 y el 1527 (1527: fecha importante: saqueo de Roma).

    4. Manierismo: resto del siglo XVI.




  • Contextualización:

Desde el siglo XIII ciudades como Florencia y Venecia empezaron a tener un gran auge económico. Se desarrolla en estas ciudades una burguesía urbana muy poderosa. La élite de esta burguesía se va a convertir en los principales líderes civiles. Adopta esa burguesía los gustos cortesanos. ¿Cómo empieza? Pues imitando el gusto por la monarquía.

A este respecto, vamos a ver cada vez más un arte más laico. La burguesía valora mucho el individualismo; desde el punto de vista artístico, cada vez se valora más la creatividad, es decir, la creación individual.


  • El Humanismo renacentista:

    1. En este contexto se va a desarrollar el Humanismo renacentista: una educación basada en los clásicos grecorromanos.

    2. Nos encontraremos con un siglo XV abarrotado de escritores, de editores, de profesores, de nobles, etc., etc., que rescatan los textos griegos y romanos. Precedentes (siglo XIV):

      • Dante.

      • Petrarca.

      • Boccaccio.




    1. Época de racionalismo y de laicismo.

    2. Destacar también a Cosme de Médici: Academia platónica (1459). Pero en el siglo XVI destacará Aristóteles, no Platón.




    1. Valoración del Arte:

      • El arte se divorcia de la finalidad ética o religiosa. El arte se contempla como una experiencia estética independiente: independencia estética autónoma.

      • En ese contexto se crea la Academia de Escultura de Florencia (1485): Lorenzo el Magnífico: quiere, en cierto modo, dignificar la figura del artista. Predominio en esta Academia del platonismo (neoplatonismo). Los artistas aprendían anatomía, dibujo, perspectiva, etc., tenían, pues, una buena educación intelectual que le permitían avanzar en su desarrollo.




    1. Coleccionistas y mecenas:

      • Ideal renacentista: Armas y Letras.

        • Maquiavelo recomienda al príncipe que sea una persona culta, que ame el arte: El Príncipe (1513).

        • Castiglione, El Cortesano (1528): promueve el coleccionismo y el mecenazgo.

      • Mecenas:

        • Cosme el Viejo: de Donatello, de Fra Angélico, etc.

        • Lorenzo el Magnífico.

        • Etc.

      • Coleccionistas privados:

        • Studiolo: es un pequeño espacio, de unos 4 metros cuadrados, planta rectangular. Espacio privado al que sólo accede el coleccionista. Espacio de reflexión. Uno de los más importantes studiolos:

          • Studiolo de Federico de Montefeltro”, Urbino: no penetra la luz natural; es un coleccionismo más interiorizado.

1479. Giorgio Martini. Pedro Berruguete.

Se coleccionan curiositas (objetos científicos que suponen un avance científico para la humanidad: astrolabios, brújulas,etc.), camafeos,… Solía tener una galería de retratos arriba.

          • Studiolo de Francesco de Médici”: mucho más importante que el anterior, aunque el de Federico Montefeltro es fundamental porque fue pionero.

1570.

Vasari.

        • Galerías:

          • Galería de los Uffizi, Florencia, 1560: diseñada por Vasari para los Médicis; basada en la Ilíada; primera galería dedicada a exponer las obras/la colección de los Médicis; incluso es considerada el “Primer Museo” (anticipo de lo que hoy consideramos museo). Además, a diferencia del studiolo: coleccionismo que tiene proyección pública y, por otra parte, es de gran dimensiones = longitudinal.




      • Coleccionismo institucional (además de esos coleccionismos privados señalados):

        • Gremio del Arte della Lana: Campanile de Florencia.




      • Coleccionismo público:

        • Piazza della Signoria, Florencia.


¡IMPORTANTE!: Tanto el coleccionismo institucional como el coleccionismo público: no vistos en épocas anteriores.


  • Retrato de Durero: Autorretrato:

Es más inquietante y su misterio no se aclarará probablemente jamás. Durero se representa frontalmente como una especie de Cristo surgido de las tinieblas, en un despojamiento monumental, con largas tranzas doradas que provocaban el sarcasmo de los venecianos. ¿Identificación del genio del artista con el genio creador divino, profesión de fe en el clasicismo del Renacimiento, monumento idealizado de su propia gloria? El problema sigue sin ser resuelto, B. Zumtho. Ver Zumthor, B. (1987): «Durero», Diccionario Larousse de la Pintura, Planeta-Agostini.


  • El artista en el Renacimiento: los artistas cuando se representan intentan subir su estatus. No es habitual representarse pintando (sí la pintora Sofonisba Anguissola, perteneciente al Cinquecento –ver imagen en Plataforma–).

  • Hay un nuevo concepto de arte en el Renacimiento:

    1. Mimesis: mimesis de carácter científico: el artista no copia lo que ve, sino lo que sabe que está viendo.

    2. Creación (idea): libre juego de la imaginación (lo llamará Vasari).




  • El artista en el Renacimiento:

ALBERTI, Della Pittura (1435): Escultura (1450), Arquitectura (1464).

GHIBERTI, Comentarii (1436).

PIERO DELLA FRANCESCA, La perspectiva para la pintura, h. 1475.

LUCA PACIOLI, De Divina Proportione (1497):

LEONARDO DA VINCI, Tratado de pintura.

    1. De artesano a artista: Cennini: h. 1390: Libro del Arte: Mercurio (artesano)/ Saturno (artista). Con el autorretrato el artista se reivindica a sí mismo, también con la firma (= reivindicación de la personalidad).

      • MIGUEL ÁNGEL, Autorretrato en Capilla Paulina, h. 1542. También firma la Piedad.

    2. Artista-científico: no sólo realiza obras de arte, también escribe tratados (esenciales para difundir el arte).

    3. Artista genio: surge a partir de este momento. Se valora al artista por encima de la obra. La figura del artista es hipnótica por ella misma. El gran paradigma del genio va a ser Miguel Ángel, apodado por Vasari como “Il Divino”: va a ser un artista polifacético; representa al artista protobohemio (en el Romanticismo se va a consolidar la figura del genio).




  • Valoración de las artes en el Renacimiento:

    1. La pintura es la más valorada:

      • “Ut pictura poesis”, Horacio.

      • “La pintura es poesía muda; la poesía, pintura ciega”, Leonardo.

    2. Parangón de las artes:

Arquitectura.

Orfebrería.

Pintura.

Escultura.
*Salero de Francisco I, 1543, Celini: figuras muy naturalistas.
El Arte en el Renacimiento. Características generales:


  1. Vinculación del arte a la ciencia: arte y ciencia tienen la misma consideración, fundamentalmente por dos cuestiones:

    1. El artista necesita estudiar las reglas, necesita, pues, de la ciencia.

    2. El artista reivindica una idea: el arte revela la verdad, el arte desvela el interior, el alma humana.




  1. Cuando se utilizan proporciones, éstas siempre se tienen que utilizar con una gran flexibilidad:


“La proporción armónica de las partes que componen el todo satisface a los sentidos”, Leonardo.
Luego se destruye. Primero, dibujar para conocer las proporciones y, en segundo lugar, se rompe el dibujo, se destruye. Ej. clave: Leonardo.


  1. Antropocentrismo:

    1. El ser humano representa la belleza: el cuerpo humano como ideal; muy representado en la arquitectura.

    2. Escala arquitectónica: El Hombre de Vitruvio, Leonardo da Vinci.




  1. Recuperación de la Antigüedad clásica:

    1. Restos y copias romanas.

    2. Descubrimiento de Laocoonte: 1506.

    3. Traducciones de textos grecolatinos.

    4. Rechazo a la copia: adaptación.


A diferencia del Neoclasicismo, el Renacimiento no es una copia servil del arte de la Antigüedad clásica, sino que adapta ese arte a sus nuevas necesidades, a sus nuevas expectativas. Es decir: se inspira en la Antigüedad clásica, pero no copia, sino que crea una obra nueva. Nunca copia una pose, unos gestos, etc., pues siempre desarrolla una adaptación. Se introducen, por tanto, elementos que no se encuentran en la Antigüedad.


  1. La belleza: concepto muy relacionado con lo entendido en la Antigüedad clásica:

Alberti: “La belleza es la armonía de un conjunto de partes independientes unidas entre sí para formar un todo, del cual nada puede extraerse o añadirse sin prejuicio”.


  1. Naturalismo: estudio de la naturaleza:

    1. Sigue la evolución del Arte Gótico.

    2. Los artistas nunca pintan al natural, siempre pintan en su estudio. Visión, pues, de la naturaleza muy intelectuizable. Otros artistas: estudio de la naturaleza desde una visión científica o cientificista.




  1. Ciencia:

    1. Estudios anatómicos: lo ideal era estudiar los cuerpos al natural, aunque estuviera prohibido.

    2. Estudios psicológicos: actitudes como la violencia, la alegría,… Esto es: se aborda el instante = concentrar una mueca, un grito,…, sobre todo, en el dibujo, no tanto en a pintura. Son muchos los estudios psicológicos que se llevan a cabo.

    3. Sistemas de proporciones: la “vera proportione”. Sistemas modulares: cuadrados y círculos: Lomarzo. En este momento el cuadrado y el círculo se consideran figuras perfectas.

    4. Recuperación de la sección áurea. Rectángulo áureo en arquitectura, escultura y pintura.

    5. La perspectiva: espacio tridimensional. Se intenta encontrar una perspectiva similar a la visión real humana.

      • Perspectiva lineal/geométrica: líneas rectas hacia puntos de fuga.

        • Lineal cónica: es la más utilizada en el Renacimiento. Un punto de fuga: Brunelleschi.

        • Lineal grilla: escorzos.

        • Lineal invertida.

        • Caballera: cuando contemplamos una escena desde arriba. Muy realizada en el norte de Europa.

        • Oblicua: todas las líneas convergen hacia el punto de fuga que está fuera.

En la Gioconda Leonardo introduce:

      • Perspectiva de color/pictórica: colores fríos y tenues en función de la distancia.

      • Perspectiva menguante o aérea: pérdida de nitidez de los cuerpos a medida que aumenta su distancia. En primer plano, los contornos que vemos están realizados de modo preciso (el velo, el pelo,…). Es propia del sur de Italia. En el norte de Europa: fondo nítido.

      • Por otro lado, la cámara oscura no se va a utilizar mucho en el Renacimiento, sí en el Barroco.




  1. Géneros artísticos:

    1. Laicización de la cultura (uso de mitos): el retrato va a adquirir demasiada importancia, tanto en el norte de Europa como en Italia; también la pintura de batalla. Importancia de los temas nobles.

    2. También vamos a encontrar artistas que se van a centrar en el paisaje. El paisaje, sin embargo, no se valora por sí mismo.

    3. Las escenas de “género” (temas costumbristas o cotidianos) no se consideran temas nobles, sí en Flandes.

    4. Importancia de la figura humana.

    5. Sí vamos a encontrar a mujeres artistas: se van a centrar en temas que no son nobles: temas intrascendentes, porque aunque quisieran no podían, pues los tratadistas ponían un muro contra ellas. Destacar a Sofonisba Anguisola, Fede Galizia, Levina Teerlinc.




  1. Dibujo: “Disegno”:

Hasta este momento, el dibujo es un elemento intelectual, se considera el paso previo para adentrarse en la creación de la obra. Esto es así hasta el siglo XIX: el dibujo da el carácter intelectual a la pintura.

A mediados del siglo XVI se crea en Roma la Accademia delle Arte del Disegno, Vasari, Roma, 1564.


  1. El color: se queda en segundo plano, es discreto. Debe transmitir serenidad, equilibrio, armonía. En el Manierismo esta serenidad, este equilibrio, propio del color se rompe.




  1. Luces y sombras: en el Arte del Renacimiento se aspira a transmitir una belleza serena, sosegada. Por tanto, no se busca un gran contraste entre luces y sombras, sino una luz homogénea, que no tenga ningún significado, ninguna simbología.

Así pues, cuando hablamos de un claroscuro estamos hablando de un claroscuro muy matizado. No ocurrirá esto en el Barroco como veremos.


  1. Estructuras compositivas:

    1. Composición clara: sistema de proporciones. Arquitectura: bicromía.

    2. Complejidad en planos espaciales: el Renacimiento no es un arte didáctico, es un arte elitista = complejidad, sobre todo, en el Quattrocento; en el Cinquecento: menos complejidad.



El Quattrocento italiano: la recuperación de la Antigüedad clásica:
A principios del siglo XV surgió en Europa una sociedad mercantil, con la creación de bancos en las ciudades más prósperas, como París o Florencia; en esta última la prosperidad permitió el ascenso al poder de la familia de los Médicis con su consiguiente influencia política y se convertirían en los grandes mecenas de todas las artes.

A lo largo del siglo XV, por tanto, apareció en Italia el periodo denominado como el Quattrocento, movimiento artístico que revolucionó las técnicas de la pintura, especialmente el dibujo. Se utilizó la perspectiva como medio para conseguir una mayor exactitud en la expresión de la realidad desde un determinado punto de vista y se perfeccionó la técnica al óleo. La arquitectura se inspiró en el Arte Griego, con unas líneas más puras y con cánones de una gran armonía; igualmente, en la escultura, se observó un retorno a la imitación de la figura clásica, con la anatomía como centro de atención y buscando la perfección del cuerpo humano. Grandes artistas, como los arquitectos Filippo Brunelleschi y Alberti; los pintores Masaccio, Botticelli, Filippo Lippi y Piero della Francesca, y los escultores Ghiberti y Donatello, contribuyeron al esplendor de esta época.
Arquitectura en el Renacimiento:

  • No vamos a hablar de rosetón sino de óculo.

  • El círculo va a aparecer constantemente como elemento decorativo.

  • Arquitectura intensa = muy decorativa: horror vacui.

  • Columnas y pilastras: en la fachada.

  • Aletones o volutones: muy importante, va a tener mucha trascendencia en el Renacimiento y en el Barroco. Función decorativa únicamente, pues desde el punto de vista constructivo no tiene ninguna función.




  • Influencia: Vitruvio (escala humana), De Architectura, 22-27 a. C., Roma, 1486.

    1. Escala humana: horizontalidad. Más equilibrada, más serena.

    2. Proporciones: rigor matemático, unidad. Coherencia.

    3. Base modular: geometría: cuadrado y círculo (formas perfectas).

    4. Perspectiva: único punto de fuga.




  • Tratadistas:

    1. ALBERTI, De re aedificatoria,1443 y 1452

    2. FILARETE, Tratado de Arquitectura, 1457.

    3. PALLADIO, I Quattro Libri dell' Architettura, 1570.

    4. SERLIO, I Sette libri dell'architettura di Sebastiano Serlio bolognese, 1537-1551.

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