Metáforas del cuerpo postmoderno y nuevos usos sociales y artisticos del cuerpo






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5.4. Inscripciones, pintura e incorporaciones de objetos en el cuerpo del sujeto.

5.4.1. Tatuaje

Del guetto de determinados grupos marginales o sociales legionarios - amor de madre, Mi novia es la muerte- o prisión como signo de resistencia. Ahora es utilizado por los niños, adolescentes, hombres, mujeres, “personas honestas”.

Industria en torno al marcaje corporal: páginas web, revistas especializadas,

Permanencia: el tatuaje representa lo que no caduca, aquello que persiste y nos acompaña a lo largo de la vida en la piel.

Búsqueda de lo sagrado: “ el resultado de mi crecimiento interior y del aumento de su poder puede ser visto en mi tatuaje:

Alma, espíritu, superación”.

Armstrong en un trabajo sobre adolescentes, investigación sobre las razones por las que los adolescentes se tatúan: 53% elementos de autoexpresión; 35%, probar sensaciones; 21% por recordar un hecho; 17% como sentimiento único; 11%,
Asia Argento, actriz, directora, escritora, (película reciente María Antonieta, de Sofía Coppola). Una virgen alada asciende desde el pubis. “ No elegí ese lugar por una connotación sexual de mi coño volando sino porque quería esconderlo de mi padre”. Siento la necesidad de marcarme como si cuerpo fuera un mapa y cada cicatriz me dijera donde he estado una cicatriz, como un animal.

Lleva los siguientes tatuajes: Anna, el nombre de una de sus hermanastras, fallecida en accidente de moto; la letra M rodeada por un círculo, que significa doble anarquía; el logo de Ministry su banda favorita; la M de Morgan, su marido; su número de la suerte, el 23, en la nuca; un ojo en la espalda; un sol con dos serpientes en el culo, una fina cruz y el nombre Panos.

La nueva visión del cuerpo y el culto hacia él, tal como señala Lipovetsky, reclama juventud y un no envejecimiento. En este contexto, está busqueda de no cambio físico , pues la no vejez implica no cambiar físicamente- así como una estética diferente, lo que puede explicar que sean los jóvenes quienes más se hagan tatuajes. Lo que se buscará en último término es contar con algo -un tatuaje- que les recuerde su juventud y que les de la idea de no envejecimiento cuando los años ya hayan pasado

5.4.2. Anillados: piercing y corset piercing.

BODY PIERCING es una manera de mutar nuestro cuerpo, colocando en el mismo, aros o pendientes.

En 1976, los punk1 escandalizan a la puritana Inglaterra. Para impresionar más escupen sobre su ideal corporal mojigato y hacen alarde de una apariencia tan chocante como rebuscada, dando a la ropa un uso distinto del habitual o llevándola rota o manchada y combinando colores a despecho del buen gusto. Lejos de exhibir un cuerpo convencional, lo modifican ostensiblemente. Llevan peinados en forma de cresta o de cuernos, usan maquillaje chillón y se adornan con cadenas. Este rechazo se refuerza con la utilización salvaje del tatuaje, que cubre la totalidad de los brazos o lugares inusitados (el rostro, el cuello, el cráneo), la reintroducción del piercing (imperdibles, clavos, anillos colgados de la nariz, las cejas, los labios, las mejillas) e incluso las autolaceraciones.

Gracias a este cuerpo retrabajado y transgresor, muy pronto el punk da de sí mismo una imagen con un fuerte significado. Los medios de comunicación, que ellos execran, los convierten en el símbolo de la decadencia, pero participan en la difusión de este nuevo modelo corporal en Europa, Norteamérica y Japón.
2001: los punks han ganado adeptos. Las top-models, los campeones deportivos, las estrellas de la canción y del espectáculo se asemejan por su peinado y sus piercings, pero rivalizan en cuanto a la originalidad de su uso. En los países industrializados, las adolescentes exhiben ombligos adornados y joyas en la lengua, mientras los muchachos se ponen anillos en las cejas. En 25 años, esas prácticas de adorno y esas modificaciones corporales han pasado a ser indispensables para quien quiera ser moderno.
Imperdibles, clavos, anillos colgados de la nariz, las cejas , los labios, las mejillas

La perforación del cuerpo es una práctica más extendida que las otras formas de arte del cuerpo tratadas en la exposición. La perforación del oído y la perforación de la nariz son especialmente corrientes entre muchas diversas culturas.

Muchas partes del cuerpo pueden ser perforadas y hay un gran arsenal de joyería asociado a la perforación.
Corset

Las perforaciones de la escala suben la parte posterior a en dos filas donde los ganchos o los remaches se ponen adentro para poderlos atar para arriba como el corsé de una mujer. Esto es generalmente una perforación temporal.

La perforación del corsé es la más popular para los acontecimientos del arte y eventos fetichsitas, y se quita casi siempre inmediatamente después

No pueden curar generalmente correctamente porque son una perforación superficial en un área propensa al rechazo y utilizan un tipo de joyería que no es realmente conveniente para el uso permanente en tal área.

Más recientemente, del término de perforación del corsé se ha utilizado para abarcar cualquier clase de perforaciones en escalera que se pueden atar juntas.
Fakir Musafar, chamán, artista, profesor, Body piercer habla de "Primitivos modernos" para referirse a este personas que, a lo largo y ancho del mundo, se tatúan y se perforan, según Musafar, "como una respuesta a los impulsos más primarios del ser humano". Según él, “la exploración del cuerpo a través de estos métodos implica un intento por cambiar de vida, por distanciarse de Occidente y recuperar la armonía original entre el hombre y el mundo a través de su cuerpo". De hecho, Musafar maneja una publicación, Body Play, donde aglutina a los interesados a este tema.
5.4.2. Escarificaciones

Las escarificaciones provienen de diferentes culturas de África y Australia y consisten en el corte de la piel, con un objeto punzante o preferiblemente con un bisturí para obtener la cicatriz deseada.

La palabra deriva del inglés scar , que significa en español cicatriz.

Antiguamente, los indígenas para ascender de niños a hombres se sometían a un sangriento rito en el que se diseñaban figuras en la piel, usando un cuchillo. Con los años esta tradición pasó a ser parte del método de escarificación. 

Así la escarificación, a menudo, tiene un significado ritual, como marcar el paso a la edad adulta o señalar el estatus social o las hazañas.
La escarificación busca reproducir una anomalía en la cicatrización, la formación de una turgencia cutánea llamada queloide y hacer de ella una ornamentación de la piel.

A las heridas producidas por un bisturí se les aplica vinagre o sal y en ocasiones condimentos como mostaza, lo que permite que adquiere volumen y color.

5.4.3. Implantes, branding, earstretching, splittongue
En Australia, un artista llamado Stelarc se implantó una tercera oreja de teflón, único metal tolerado por el organismo. En Estados Unidos, numerosas personas -y no solo artistas- apelaron a la técnicas de implantes subcutáneos que practican Steve Hayworth y John Cobb.

Branding

La palabra branding significa en ingles "marcar con hierros candentes o fuego". De ahí que la técnica busca realizar una quemadura con metales ardientes de diferentes formas o fuego directo con el objeto de marcar la piel con fines ornamentales.

El branding es un método muy similar a cómo se marca a un ganado, es una forma -la más rudimentaria de todas- de inscribir en la piel diseños indelebles; es la quemadura sin anestesia, el suplicio voluntario en aras de una nueva estética corporal.

5.4.5. Suspensiones

Es intento de crear originalmente trabajos físicamente exigentes de teatro, mezclando la práctica del arte moderno de la performance con rituales antiguos de la suspensión del cuerpo.

"Hemos suspendido nuestro propio concepto de la limitación física, perforado el corazón de nuestros miedos, y superado los límites de la convención social para fomentar la comprensión de ser corpóreo y espiritual.

Los actos de la suspensión combinan con arte tradicional de la performance y el teatro y provee de nosotros un nuevo medio para la expresión artística que permite a las audiencias ensamblarnos en nuestro viaje emocional.

Empujando nuestros propios límites en vida y arte, inspiramos a otros para que exploren sus propios límites".
"La suspensión en sí fue sorprendente, el cuerpo y la mente parece que se distancian a medida en que se siente el peso del cuerpo. La cabeza no entiende bien; se puede optar por la impresión de los ganchos y la presión baja (las manos transpiran, la visión puede turbarse, un malestar inicial), como también puedes concentrarte en el estado alterado de conciencia y buscar una forma más de sentir esa situación, descubrir como todo es pequeño ante ese auto-conocimiento y felicidad".
5.4.6. Body building
Reafirma con radicalidad o de forma naiv la dualidad entre cuerpo y espíritu, y coloca sobre este último una forma de resistencia simbólica.

El bb solamente está preocupado por sacar la grasa de la masa muscular , esta es un parásito que moviliza una estrategia de eliminación.

Para crear una base ha de comer como cuatro, para desarrollar un volumen físico. La grasa acumulada es convertida en músculo con un ejercicio riguroso y un régimen apropiado.
En la mujer: la práctica del ejercicio, la toma hormonas masculinas, asociada a la dietética, tienden a borrar la feminidad y a producir un cuerpo inédito en su forma, distinguible solo por el corte de pelo y el vestido.
El culturismo es un canto a los músculos, un retorno del cuerpo sin desolladuras, porque las estructuras musculares son así visibles bajo la piel viva de los practicantes como en las láminas de Vesalio.
El entrenamiento implica distinguir unas series de músculos a trabajar separadamente los unos tras los otros. Pieza a pieza el culturista construye su al modo de un anatomista meticuloso. Un cuerpo bien preparada es un cuerpo “coupé a rasoir” (cortado a navaja)
Encontramos de nuevo el dolor como afrontamiento simbólico al limite y como tope de provisional de una identidad a construir.

La sala de musculación es comparada a loa sala de tortura. Pero el dolor se convierte en un goce difuso que los culturistas comparan con frecuencia con el acto sexual.
5.4.7. Body Art

- La piel pintada

La piel es una parte de la anatomía que ha suscitado en el mundo contemporáneo respuestas creativas muy variadas que oscilan entre su concepción en cuanto mero soporte de trabajos visuales y la consideración de la piel como envoltorio o frontera entre los ámbitos interior o exterior de alguna entidad biológica.

Veamos algunos ejemplos memorables para presentar después las distintas modalidades de la pintura corporal o el maquillaje
Piero Manzoni: el costado de las modelos desnudas sirven para que el artista escriba su nombre y el año.

Recuperaba personas vivas para el arte. El procedimiento: firmaba parte del c cuerpo elegido y otorgaba a su propietario un certificado que autentificaba la operación. Ejemplo: Umberto Eco.
Las autopinturas de Brus se centraron en el embadurnamiento del propio rostro y de las ropas para que toda su persona formara parte del contorno pintado.

La autopintura es una evolución de la pintura. El lienzo ha perdido su función como único soporte de expresión. La pintura ha vuelto a su orígenes , al muro, al objeto, al ser vivo, al cuerpo humano.

Brus pretencia la confusión del cuerpo entre los objetos del entorno. El individuo se disolvía en el mundo, se desprendía de su identidad.
En los años sesenta la piel fue objeto de otras actividades pictóricas radicales. Los accionistas vieneses depositaron sobre la piel desnuda alimentos, sangre, vísceras, excrementos t pinturas de distinta naturaleza : Günter Brus y Hermann Nisch

Brus: Autopinturas: embadurnamiento del propio rostro y de las ropas para que toda su persona formara parte del entorno pintado

“la autopintura es la evolución de la pintura. El lienzo ha perdido su función como único soporte de expresión. La pintura ha vuelto a sus orígenes , al muro, al objeto, al ser vivo, al cuerpo humano”.
Otto Muhl. En los años sesenta la piel fue objeto de otras actividades pictóricas radicales. Los accionistas vieneses depositaron sobre la piel desnuda alimentos, sangre, visceras, excrementos y pinturas de diferente naturaleza.
En otra dimensión hay que situar los trabajos irreversibles sobre la piel, como es el caso del los tatuajes y de las escarificaciones.

Desde el punto de vista antroplógico este asunto es muy rico. Numerosos son los pueblos noocidentales que han a las intervenciones artísticas sobre la piel una gran importancia social y religiosa, para muchos es la uncia forma de expresión que se acerca mucho a nuestro concepto de arte.

La moda de los tatuajes ha hecho furor en los finales del XX y comienzos del XX. En el buscador Google hay para tattoo 47.800.000 páginas y para tatuaje 1.130.000 páginas.

La aparición de los tatuajes en la fotografías: Sandi Fellman
García Alix: ha fijado su atención en seres semi-marginales cuya existencia se presenta como un desafío y una promesa de libertad en el mundo reglamentado en que vivimos. El mismo ha tatuado su propio cuerpo y lo ha fotografiado en autorretratos fragmentarios.

Una pequeña historia de amor (1995) muestra su antebrazo izquierdo intensamente tatuado, con la mano sosteniendo un preservativo usado.
Orlan

Cuadros vivos” recrea una serie de cuadros inspirada en pinturas famosas del arte occidental.

Orlan es una artista de la performance. Trabaja sobre el estatuto del cuerpo en nuestra sociedad contemporánea programando su propia mutación mediante cambios de cuerpo y de imagen. Gracias a los medios artísticos y tecnológicos, desvía de sus usos habituales la cirugía estética y la imagen digital.
Mientras Orlán leía en voz alta convencietemente anestesiada el cirujano porcedía a una liposucción en el rostro y en los muslos. El libro elegido era La robe de Eugenie Lemoine (lacaniano) , el fragmento elgido fue

“ La piel es decepcionante. En la vida no se tiene la propia piel… Hay error en la vida humana porque uno no es nunca lo que se tiene… Yo tengo una piel de ángel pero soy un chacal.. Una piel de cocodrilo pero soy un chucho, una piel de negro pero soy un blanco, una piel de mujer, pero soy un hombre; yo no tengo nunca la piel de lo que soy: no hay una excepción a la regla porque yo no soy nunca lo que tengo”

Orlan es una artista multimedia que utiliza el vídeo, la fotografí digital, la cirugía, y que hace de su cuerpo el lugar de producción y explotación de sus intervenciones artísticas, inspiradas en la iconografía barroca, grecolatina y precolombina.
En el caso de Orlan, ella trabaja con el arte corporal. Su obra implica una denuncia contra las presiones de una sociedad fetiche-consumista que impone arquetipos físicos de una estética "correcta" sobre el cuerpo. Ella ejecuta sobre su propia imagen una "puesta en escena", un performance de operación quirúrgica estética.

"Mi cuerpo es el espacio donde trabajo, es mi software, esto lo vengo haciendo desde mi adolescencia, trato de empujar los límites de la vida hasta el extremo.

"Con el avance tecnológico uno se puede hacer muchas preguntas, cuál es el estatuto original del cuerpo y hasta dónde irá su futuro. Actualmente no estamos preparados para estos cambios sociales. Yo quiero cambiar, o mas bien, preparar a la sociedad para estos cambios.
“Mi trabajo centra exactamente en ese aspecto, trata sobre el cuerpo mutante, el cuerpo del futuro; es un trabajo en el que ando desde el 68 cuando llegaba a las conferencias con un cartel que decía: 'Yo soy una hombre y yo soy un mujer'.

"Todo mundo conoce ese dicho de Simone de Beauvoir: 'No somos mujeres, nos convertimos en mujeres' y los hombres 'No son hombres, se convierten en hombres'. La sociedad es una fábrica de cuerpos y de las realidades que van con esos cuerpos, y mi trabajo consta precisamente en cómo cambiar ese formato.
La grasa extraída de la operación fue guardada en unos relicarios de resina transparente moldeados con la forma de sus brazos y sus piernas. Así es como surgió lo que llamaría Art charnel
Orlan busca tener la frente de Mona Lisa

El ser narcisista no es fácil cuando la pregunta no está en amar la propia imagen, sino reconstruirse uno mismo con actos deliberados de enajenación.
Orlan se jacta de ser la primera artista en utilizar la cirugía plástica para hacer su propio autorretrato. Procede con una fría lógica cartesiana deconstruyendo imágenes mitológicas de mujeres y las recombina en su rostro para crearse a sí misma. ¿Por qué esas mujeres? Contesta Orlan: -"Diana por su característica de diosa agresiva, Psyche por su belleza espiritual, Europa de Gustave Moreau por su amor a la aventura, la Venus de Boticelli por ser la diosa de la fertilidad y la Mona Lisa de Leonardo por su inteligencia."
Autorretratos hibridados. Viene trabajando desde los años 90. Se trata de mezclar con técnicas fotográficas su porpio rostro con el de algunas algunas esculturas procedentes de otros ámbitos culturales.

Para hacerlas se han “cosido” dos cuerpos de una manera virtual , o mejor, se han fundido un rostro y una obra de arte. Lo carnal y lo inanimado en una entidad visual indisoluble.

“Mi trabajo está en está en lucha contra lo innato, lo inexorable, lo programado, la naturaleza, el ADN” “Se trata, para mi, de empujar el arte y la vida hasta sus extremos”
- Tranformaciones temporales

- Body art performance.

5.5. El cuerpo fragmentado
En la retórica del cuerpo, un fragmento puede representar la totalidad orgánica, o adquirir una autonomía que puede funcionar artísticamente. .

Los cuerpos despedazados real o simbólicamente.

La religión cristiana y tradición de mártires (Santa lucia, Santa Agueda, san Denís caminaba decapitado, con su propia cabeza en la mano.

Los diversos tratamientos médicos se basan también en la parcelación territorial del cuerpo.

Más cercanas al arte están las pulsiones decuartizadoras. Los artistas se ejercitan esculpiendo, modelando o pintando fragmentos del cuerpo (manos, piernas, torsos).

También el cuerpo del deseo es un cuerpo fragmentado, según la ortodoxia freudiana. Al amante le perturban las axilas, los pechos, los ojos o cualquier otro de talle de la persona amada.

La primera concepción de nuestro ser también es parcial y solo en el estadio infantil del espejo , se alcanza una visión totalizadora.
Es un asunto característico del arte del XX. Se ha vivido la experiencia del despedazamiento corporal a una escala verdaderamente gigantesca. Los accidentes mecánicos, la tecnología bélica orientada a la producción de grandes explosiones, la experimentación biológica y la cirugía generalizada ha permitido conocer más cuerpos fragmentados que en toda la historia precedente de la humanidad.

La potenciación del arte coincide con dos fenómenos artísticos: el primer plano y el cubismo sintético.
Margritte. Ojo verde

Filosofía del boudoir

El ojo azul
Judy Chicago, The dinner party (1973). La obra maestra de esta corriente por sus repecusiones en la teoría y la práctica feminista del arte.

Mesa triangular con treinta y nueve platos servidos y dispuestos para ser comidos por hipotéticos comensales. Platos de porcelana coloreada y representaban alimentos colcoados de tal manera que era inevitable reconocerlos como representaciones vaginales.
El triángulo alude a la igualdad pero también es una imagen geométrica tradiconal de la vulva.

Chicago dijo que era un intento de reinterpretar la Ultima Cena desde lo punto de vista de las personas que siempre han preparado la comida. Así los trece platos de cada lado adquirían un carácter sagrado, con los coños alimenticios sustituyendo al pan y el vino de la comunión.

Esta obra se convirtió en una referencia del arte feminista del siglo XX. Pero due acusada de no invitar a su mesa a mujeres hispanas, negras y de otras minorías raciales y sexuales.

Esta obra es la culminación de un programa de educación de género creado en el Fresno State College, primer programa de educación artística feminista. Una de sus participantes Faith Wilding, comenta que se llegó a crear allí lo que ella llama “arte del coño”.

Junto a cada uno de ellos está bordado el nombre de una mujer famosa de la historia o de la mitología (Teodora, Safo, Virginia Woolf, Isis, Armetisa)

En la plataforma de azulejos sobre la que se alzaba la mesa, escribió con letras doradas el nombre de 999 mujeres.
Es obvio que Chicago pretendía subvertir la historia patriarcal dominante y llamar la atención sobre el papel oculto, pero esencial de muchas mujeres en la historia.
Robert Mapplethorpe, fotógrafo, encarnó una corriente de reivindicación de la genitalidad masculina, abiertamente homosexual, que podría ponerse en paralelo con el “arte del coño” feminista. Pero el tratamiento masculino del sexo concentra casi siempre la militancia sobre el ámbito del placer, a diferencia de las mujeres que tienden a convertir la vagina en una metáfora política o cultural.
Linda Benglis . No era una representación del erotismo masculino sino una parodia


5.8. El cuerpo doliente: vejación y tortura.
Happening se sigue practicando en el presente siglo, quedan ya registrados en la historia varios nombres como el de Gina Pane, quien vestida de blanco se clavó espinas de rosa en su antebrazo y luego se cortó con una hoja de afeitar (Acción Sentimental, 1972). Otra mujer, Valie Export, paseeó a su novio gateando y amarrado como a un perro por las calles de Viena (Pamplet on Doggy-ness, 1968), para realizar una inversión de roles masculino-femenino. En su acción titulada Action Pants: Genital Panic (1969), ella se paseaba a la salida de un cine porno mostrando su vulva y armada con una metralleta, gritádole a los espectadores (acaso era una protesta pública por la mujer-objeto). El estadounidense Chris Burden se hizo disparar en el hombro (Shoot, 1971) y crucificar sobre un carro (Volkswagen); Vito Aconcci se mordió todas las partes de su cuerpo hasta donde su boca alcanzaba; el australiano Stelarc, desde finales de los años sesenta hasta finales de los ochenta, se colgó desnudo con ganchos metidos entre sus carnes a 30 metros de altura. Otro ejemplo de mortificación es el de Ulay y Marina Abramovic, quienes se golpearon con fuerza en la cara durante más de 20 minutos (Light-dark, 1977). Los mismos, en su acción Interruption in Space (1977) corrían a toda velocidad hasta estrellarse contra un muro instalado al centro de una galería. Menos tortuoso es el hapenning del polaco Roman Opalka, quien se hace un retrato fotográico cada día, desde 1972.
Muchas de las performances de Abramovic en estos 30 años han sido brutales y desconcertantes. Algunas de ellas concluyen sólo cuando alguien del público interviene. Buscando el límite en el cual el público comprueba su resistencia a atestiguar el dolor y el sufrimiento, Abramovic crea un punto de ruptura, marcando radicalmente las sensaciones del presente del espectador. Ella ha dicho: "Estoy interesada en un arte que perturbe y rompa ese momento de peligro; por eso, el público tiene que estar mirando aquí y ahora. Deja que el peligro te concentre; esta es la idea, que te concentres en el ahora".
Marina Abramovic es una artista de performance que investiga y explora los límites de lo psíquico y mental. En sus performance se ha lacerado a sí misma, se ha flagelado, ha congelado su cuerpo en bloques de hielo, tomando drogas para controlar sus músculos, con las cuales ha quedado muchas veces inconsciente, y hasta en una ocasión casi morir de asfixia recostada dentro de una cortina de oxígeno y llamas.

Sin embargo, los objetivos Abramovic poco tienen que ver con el sensacionalismo. Sus performances resultan una serie de experimentos que pretenden identificar y definir los límites en el control sobre su cuerpo; la relación entre el público con la performer; del arte y, por extensión, de los códigos que gobiernan la sociedad. Su ambicioso y profundo proyecto se encamina a descubrir un método, a través del arte, que haga a la gente más libre.
Acciones autopunitivas con heridas reales.

Gina Pane. Las cuchillas de afeitar le sirven para trabajos como Le corps pressenti (1975): se hizo varios cortes entre los dedos de los pies y colocó su improta sobre un lecho de escayol, dejando así una huella permanente. Hacía así real la vieja metáfora romántica relativa a l dolor de la creación y a la vida que le iba en ello al creador.

Gina Pane, quien vestida de blanco se clavó espinas de rosa en su antebrazo y luego se cortó con una hoja de afeitar (Acción Sentimental, 1972).
David Nebreda

“Estúpido, estéril,¿cómo te reconoceremos?”

Estúpido, mudo y estéril

Exhibe los genitales crudamente crucificados.
La mierda es el elemento alquímico del creador. En la fotografía de la derecha , Nebreda empuña a modo de paleta y pinceles unas flores secas y una bolsa de plástico llena de excrementos.
Una de las creaciones más verdaderamente abyectas del siglo XX.
Gunther Von Hagens: artísta y científico alemán nacido en 1948.

proceso de Plastinación, en la cual se extrae el agua de un cuerpo por acetona fría y luego se sustituye por una solución plástica endurecible. Para ese proceso requirió estudios muy complejos hasta llegar a plastinar su primer cuerpo humano en 1990.En 1993, crea el Instituto de Plastinación de Heidelberg y trece años antes, la empresa BIODUR, para la creación y distribución de aparatos concebidos para la plastinación. Sus cuerpos preparados con este método causan asombro y polémica en el mundo de hoy. Odiado por los más conservadores y alabado por gentes comunes y algunos científicos. Dio numerosas giras por algunos países del mundo dando a conocer la plastinación. Actualmente construye el Plastination City en Dalian, China.Su trabajo constituye un verdadero aporte al arte y a la medicina, al dar a conocer el cuerpo humano como es, sensibilizando a los interesados en observar su labor, una mejor comprensión de la salud y la anatomía. También plastinó animales como perros y algunos mamíferos marinos.

Von Hagens plantea que él y sus colaboradores quieren educar al público y devolverles la curiosidad por su cuerpo.

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