Para niños entre dos y seis años. Clases de 1 hora de duración por semana en grupos de máximo 5 niños






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Para niños  entre dos y seis años. Clases de 1 hora de duración por semana en grupos de máximo 5 niños.

Este proyecto a nacido para cubrir la necesidad de una escuela musical infantil que actualmente no hay, encontrando guarderías musicales o escuelas para eruditos. Simplemente queremos impartir un programa adecuado a las edades del niño en el que se estimule y divierta aprendiendo música.

Con este curso el niño comenzará a explorar y desarrollar su oído, su sentido rítmico y la búsqueda de su propia voz las cuales son expresiones fundamentales del lenguaje musical, facilitando en él el desarrollo de aptitudes musicales.

Fundamentalmente el acercamiento de los niños con la música se utilizara como un medio de expresión de sus sentimientos, sensaciones y como un elemento integrador.

Basado en tres métodos musicales: Kodály, Orff y El efecto Mozart.

BENEFICIOS DEL CURSO:

  • Educación Auditiva

  • Enriquecer vocabulario

  • Estimular y mejorar la expresión corporal y motricidad

  • Aumentar la concentración y capacidad de aprendizaje

  • Reducir los niveles de ansiedad en niños hiperactivos y relajarlos

  • Fomentar buenas relaciones con padres, maestros y compañeros

  • Mejorar la seguridad y autoestima

OBJETIVOS ESPECIFICOS:

  • Reproducir, repetir y crear ritmos, sonidos y movimientos

  • Agudizar la percepción auditiva

  • Hablar, cantar y comunicarse

  • Desarrollo de su coordinación y motricidad

  • Expresar libremente sus sentimientos a través de la música

  • Conocer y manipular algunos instrumentos musicales

  • Identificar las partes de su cuerpo

  • Lograr un buena integración con el grupo

ACTIVIDADES:



  • Juegos, danzas, canciones y expresión corporal y gestual

  • Ecos rítmicos y melódicos

  • Reproducción de sonidos de la naturaleza y de su entorno

  • Actividades plásticas (dibujos)

  • Cuentos musicales

  • Audiciones de diferentes músicas (grabaciones, videos, conciertos)

  • Contacto con algunos instrumentos, aprendiendo a identificarlos

  • Construcción de instrumentos de pequeña percusión

  • Actividades de fin de curso

Método Kodály: método pedagógico húngaro basado en el canto y la fononimia.
Fononimia: es un método que consiste en marcar la altura de los sonidos, situándoles en el espacio, colocando la mano a diferentes alturas. Entre los grandes pedagogos musicales que se han servido de este resorte metodológico se encuentra Zontán Kodály. 
Además de ayudar a representar las notas con un gesto de la mano, es muy útil para:

  • Ejercicios de afinación.

  • Los intervalos y las relaciones melódicas.

  • La afinación, la educación del oído, la memoria, la audición interna y externa, la técnica vocal, la improvisación, etc.

  • El desarrollo de las capacidades como la atención y la concentración, además de la conciencia del trabajo en grupo.

  • Como medio para trabajar ejercicios de psicomotricidad y expresión.

  • El desarrollo de la creatividad, la sensibilidad y el gusto.

Las principales ideas del método Kodaly son:

  • La música es una necesidad primaria de la vida.

  • Sólo la música de la mejor calidad es buena para la educación de los niños.

  • La educación musical empieza nueve meses antes del nacimiento del niño.

  • La instrucción musical debe ser una parte de la educación general.

  • El oído, el ojo, la mano, y el corazón deben ser educados a la vez.


Método Orff: método pedagógico musical que introduce los instrumentos de percusión dentro de la enseñanza escolar, y fomenta la prosodia( rama de la lingüística a través de la cual se analiza el acento y entonación de las palabras, lo que la relaciona con el ritmo y melodías musicales que se trabajen), además de utilizar canciones de tradición oral.

Efecto Mozart: el objetivo es buscar la relajación, concentración, memorización y creatividad. Todo esto que hace la música se debe, presuntamente, a las pulsaciones por minuto que tiene en especial la música de Mozart, ya que cambian el estado del cerebro y lo hacen más receptivo. Se ha comprobado que la música de este genio activan la corteza auditiva y zonas asociadas con la emoción, también logra activar áreas del cerebro vinculadas con la coordinación motora fina, la visión y procesos superiores del pensamiento.

METODO KODALY
Entre los métodos pedagógicos de la Educación Musical, podemos afirmar que el método Kodály es uno de los más completos, ya que abarca la educación vocal e instrumental desde sus orígenes hasta sus niveles más altos en el campo profesional.

Por otra parte tiene una sólida estructura y una acertada secuenciación pedagógica basada en criterios científicos que tienen en cuenta el desarrollo psico-evolutivo del alumnado.

Zoltan Kodály ( Kecskemet 1882 - Budapest 1967 ) músico y compositor húngaro de gran nivel, demostró tal interés por la pedagogía musical que decidió dejar a un lado su faceta de compositor y director de orquesta para dedicar gran parte de su vida a la recopilación de un amplísimo repertorio de música popular y folklórica ( se habla de ciento cincuenta mil canciones) , para utilizar en su metodología.

El mismo nos dice: (1) " Me parece que no me arrepentiré nunca del tiempo que no dediqué a escribir composiciones de gran formato. Creo que haciendo así he realizado un trabajo útil para el colectivo, tan útil como si hubiera escrito otras composiciones sinfónicas"

Durante este período de recopilación contó con la colaboración de Béla BártoK .(2)" la música tradicional está viva, de alto nivel y es una fuente interminable de arte. Béla BártoK la considera con el mismo valor estético que las fugas de Bach o las sonatas de Beethoven..." ( Z. Kodály ). Una de las intuiciones más geniales de Z. Kodály fue el comprender como el patrimonio de la música popular tiene un importante papel en el aprendizaje de la música en los niños/as, que no teniendo todavía el oído contaminado de "basura musical", aprenden música con temas y fragmentos sonoros, escuchados desde el momento de su nacimiento, que son cantados o tocados por sus padres o por las personas de su entorno. La Hungría de las primeras décadas de nuestro siglo, no conocía otra música que la popular o la culta debido a que las relaciones con otros pueblos y culturas, sobre todo de Europa occidental, eran prácticamente inexistentes.

A esto de debe el éxito de su metodología que se desarrolló utilizando miles de temas populares totalmente genuinos, sin influencia alguna. La característica fundamental de la actividad pedagógica de Z. Kodály está basada en su afirmación: " ¡Que la música pertenezca a todo el mundo! ".

Llegados a este punto nos planteamos cuáles fueron sus criterios pedagógicos para fundamentar su teoría.

Sabemos que el niño/a habla antes de escribir y desde la experiencia adquirida obtiene las reglas y nociones del lenguaje. Z. Kodály (2) dice: " El objetivo o meta de la música no es llegar a ser juzgada sino convertirse en nuestra sustancia, hay mucho analfabetismo musical incluso entre los niveles cultos de nuestra sociedad. Es inútil tratar de obviar esta situación divulgando la música sinfónica de buena calidad.

Aquellos que no están acostumbrados a escucharla comprenderán poco y no podrán acercarse a ella a través de la lectura formal en partitura". Esta afirmación, que es de principios de nuestro siglo, parece que no ha llegado a la mayoría de nuestros profesores, que todavía no se han decidido a utilizar criterios metodológicos y pedagógicos para la enseñanza de la música. No olvidemos que no podemos basar nuestro bagaje cultural en las nociones musicales aprendidas en nuestra formación inicial, que suele ser escasa y en la "experiencia" acumulada a lo largo de los años de docencia. Sabemos que la experiencia sirve para detectar errores, no para corregirlos. Sería como si intentásemos enseñar la pronunciación de vocales y consonantes a diferentes velocidades, durante años, sin aprender nunca ni una sola palabra; o aprender la pronunciación de un idioma extranjero sin comprender el significado y pretender que esta persona pueda obtener una cultura literaria o de otro género.

Con la misma lógica no podemos pretender adquirir y comprender el significado de la música estudiando solfeo tradicional o tocando mecánicamente un instrumento. ¿ A qué se refiere Z. Kodály cuando dice "saber leer la música"?. Sin duda ninguna no se refiere a la lectura tradicional de sonidos, uno tras otro, sin comprender su significado ni el nexo de unión entre los mismos. Por tanto la música no debe ser un sonido sino un conjunto de relaciones sonoras que deben resultar como un pensamiento sonoro que, como cada pensamiento, encuentra su primera expresión en la voz, es decir, en el canto. La voz es el primer y más versátil instrumento musical que demasiadas veces relegamos a un segundo plano, para dejar espacio a pequeños instrumentos musicales de diferente tipología esto puede ser debido a que la mayoría del profesorado de educación musical no conoce la fisiología vocal y ante problemas de desafinación prefiere dedicarse a otra actividad que le resulte más conocida.


¿Cómo solucionamos el problema de los desafinados? En primer lugar debemos aclarar que la definición más común clasifica al desafinado como aquella persona que no es capaz de reproducir con la voz un fragmento escuchado con anterioridad. Sin embargo hay que distinguir entre el desentonado y el desafinado. El primero sabe reproducir el movimiento de los intervalos más o menos correctamente en una
tonalidad diferente a la escuchada, mientras que el desafinado produce sonidos totalmente diferentes a los escuchados, sin respetar la secuencia interválica. La mayoría de las personas que clasificamos normalmente como desafinados, en realidad pertenecen a la categoría de desentonados, ya que son personas que no han tenido la posibilidad de desarrollar su oído musical ya sea por un analfabetismo musical familiar, por la imposibilidad de relacionarse con el mundo de la música en su sentido más pedagógico, o por un "adiestramiento" musical erróneo.

3.-CRITERIOS PEDAGOGICOS DE LA METODOLOGIA DE Z. KODALY PARA UNA CORRECTA EDUCACION MUSICAL
En este apartado intentaremos comentar los criterios pedagógicos de Z. Kodály teniendo en cuenta la realidad en la que nos encontramos inmersos. * " Mejorar los cursos de enseñanza musical que se imparten en las Escuelas de Magisterio". Este es uno de los criterios que más nos interesan. En la asignatura de Lenguaje Musical muchas veces se comete el error de reproducir los esquemas didácticos utilizados en los Conservatorios, pretendiendo enseñar a alumnos que en la mayoría de los casos no tienen ninguna formación musical, y disponiendo de unos pocos créditos a impartir durante dos cursos académicos. El resultado es que al final se envían a las escuelas de Educación Primaria maestros de música que prácticamente son analfabetos, musicalmente hablando. Nuestra tarea es la de enseñar música a los futuros maestros de educación musical, utilizando una metodología adecuada que permita que ellos
puedan transmitir directamente la formación musical recibida en esta disciplina a sus alumnos sin pasar por nocionismos teóricos o el árido solfeo tradicional.
Con el método Kodály no es imprescindible tener un conocimiento musical completo antes de empezar a aplicarlo a la docencia, ya que nos permite enseñar cada apartado en el que nosotros hayamos alcanzado un nivel de conocimiento y ejercitación adecuado sin romper la coherencia del método. * " Es necesario evitar que los niños se acostumbren de pequeños a la música de baja calidad ya que después sería
demasiado tarde" En la época actual, esta es quizás una de las tareas más difíciles debido a la contaminación que el niño recibe desde su nacimiento a través de los medios de comunicación, discos,...
¿Cómo podemos competir con los "mass - media"? Uno de los criterios más experimentados consiste en no despreciar claramente ante los niños todo lo que no sea música culta o popular, ya que esto sólo consigue que nuestros alumnos pierdan la confianza en nosotros pensando que no entendemos su realidad y al mismo tiempo a sus ojos pierde fiabilidad la cultura musical que pretendemos que adquieran. Ellos viven "su música" como algo bonito, moderno, y socialmente integrante, mientras que normalmente consideran aburrida, pesada y "pasada de moda" la que podemos proponerles nosotros. Fragmentos de música Rock, New Age, Heavy metal, Rap..., bandas sonoras de películas y dibujos animados conocidos por ellos, se convertiran en excelentes aliados para comenzar una educación musical que lentamente iremos dirigiendo hacia otro tipo de música más difícil de comprender.
Esto implica necesariamente una actualización constante del profesorado y un conocimiento de las tendencias musicales del momento, para que el docente se acostumbre a realizar una crítica constructiva que le permita comprender los fenómenos musicales del mundo moderno e intentar sacar el mayor
rendimiento de los mismos para sus clases de educación musical. * "La música es una experiencia que la escuela debe proporcionar". Desgraciadamente la triste realidad no favorece la consecución de este objetivo. El tiempo que se dedica a desarrollar el currículo de educación musical en la Educación Primaria es totalmente ridículo teniendo en cuenta las metas que se pretenden alcanzar con la LOGSE. Sabemos
que el aprendizaje de la música en toda su esencia es una de las materias más amplias que implica gran número de horas de práctica que no podemos dedicarle dentro del recinto escolar. Para solucionar este grave problema debemos transmitir a nuestros alumnos el entusiasmo por la música, tratando con todos los medios pedagógicos a nuestro alcance, que continúen la experiencia musical más allá del horario escolar.
La creación de pequeños coros escolares, la grabación de temas populares de tradición oral, la creación de bancos de sonidos para su posterior utilización en la creación de bandas sonoras...harán que nuestros alumnos vivan la música como una experiencia gozosa y no como una asignatura estéril. "El canto diario es muy importante. El placer que se deriva del esfuerzo de conseguir una buena música colectiva proporciona personas disciplinadas y nobles de carácter; su valor, en este aspecto, es incalculable". Todos conocemos el poder de unión e integración que tiene el canto, sobre todo el canto colectivo. La disciplina necesaria, la formación musical que conlleva y la responsabilidad que tiene cada cantor permite que la música sea un vehículo de educación cívica y social. La preparación técnica necesaria y la elección del repertorio son, seguramente, los puntos que ofrecen mayor dificultad al maestro de educación musical. Por esto es imprescindible que un profesor de educación musical conozca
al menos los rudimentos de fisiología, patología y técnica vocal, ya que sin ellos no podrá enseñar correctamente el canto. No podemos convertirnos en instructores y directores de coro sin conocer la técnicas y la problematica que conlleva. ¡Esto sería lo mismo que pretender que un profesor de flauta enseñase órgano o violín!
Resolver problemas de entonación, enseñar la correcta respiración y reconocer los problemas que conlleva la tesitura vocal de nuestros alumnos son conocimientos absolutamente necesarios si no queremos correr el riesgo de estropear de forma irreparable las voces de los alumnos. También la elección del repertorio deberá ser realizada con los criterios ya mencionados teniendo en cuenta, también, los
siguientes factores:
La extensión es uno de los criterios más importantes. En la elección de un fragmento musical debemos fijarnos en el sonido más grave y agudo del mismo, teniendo en cuenta la edad y las posibilidades de nuestros alumnos. Muchas veces se encuentran cancioneros para niños que contienen obras que no se adaptan a su tesitura. En estos casos a veces puede ser suficiente transportarlas a otras tonalidades, pero otras veces se deben descartar. La elección de canciones populares debe ser realizada con mucha atención., sobre todo la del folklore español, rico de adornos, tresillos, amplios intervalos...El mismo Z.Kodály que defendió la utilización de canciones populares para aprender la música sostiene que cuando no encontremos en el folklore popular
soluciones para un determinado problema debemos acudir al folklore de otras culturas o a la música culta. Además la LOGSE propugna la coeducación, la atención a la diversidad y el fomento de valores como la tolerancia y el respeto a las otras culturas, cosa imposible si no conocemos la música de los otros pueblos. Sin duda alguna la música es uno de los medios más eficaces para la realización de esta tarea. Existen óptimas publicaciones de música étnica mundial donde podemos encontrar los más variados géneros y estilos.
Debemos aprender canciones que tengan elementos musicales ya trabajados. Antes de proponer una canción debemos realizar un estudio riguroso de: las figuras musicales, los intervalos, el modo, la forma, la dinámica... Los elementos novedosos deberán ser explicados primero al alumno para darle la posibilidad de concienciarse y poder comprender el material propuesto. * " En la vida de un niño la experiencia musical decisiva aparece entre los seis y los dieciseis años. Durante esta época de crecimiento es cuando es más receptivo y cuando muestra mayor talento" Todos los pedagogos
están de acuerdo con esta afirmación, aunque debemos tener en cuenta que este desarrollo se verá potenciado si se ofrecen actividades lúdicas y material sonoro a los alumnos de Educación Infantil.
En Hungría, en las escuelas infantiles especializadas con el método Kodály, los niños terminan con un patrimonio vocal de unas cuatrocientas canciones, retahílas, y juegos musicales aprendidos. Es evidente que esto permitirá al maestro de Educación Primaria iniciar su labor docente con un inmenso material sonoro ya preparado. Nuestra realidad es muy diferente. Los niños cuando acceden a la Educación Primaria no suelen tener ningún tipo de formación musical. Actualmente, en la mayoría de los casos, al maestro de la especialidad de Educación Infantil se le da una formación mínima de educación musical, totalmente insignificante en relación a la importante labor que debería desarrollar. Con respecto a los maestros de educación Primaria ya hemos reflejado anteriormente que la formación nos parecía bastante escasa, pero es a todas luces insufiente cuando se encuentran habilitados por algunos cursos de especialización que realiza elMEC en convenio con la Universidad si estos no comienzan a realizarse de una forma totalmente rigurosa.
Y por último el profesorado que imparte Música en la Educación Secundaria cuya formación inicial es muy variada ( Conservatorio, Musicología...) normalmente carece de una formación pedagógica y didáctica, este profesorado no ha realizado demasiados cursos de formación ya que no los necesitaba para impartir "Historia de la Música", que es a lo que se reducía la Educación Musical en esta etapa. Todavía
gran parte de este profesorado es reacio al cambio y sigue con la misma práctica docente mantenida hasta ahora, asumiendo como mucho el bloque de Audiciones y el de Música en el Tiempo, con un tratamiento didáctico que nada tiene que ver con los objetivos de la LOGSE.
Ante la realidad que acabamos de exponer, resultaría pura retórica hablar de resolver el problema con la coordinación entre los docentes de las diversas etapas de Educación Musical y concienciar a los maestros del trabajo necesario para transformar esta realidad. Actualizarse con cursos de formación de calidad,
informarse sobre las nuevas metodologías, participar en congresos, mesas redondas, simposium nacionales e internacionales... debería ser obligación moral de cada uno y no limitarse a la participación en cursos, que tantas veces ofrecen un pésimo nivel pedagógico, simplemente para acumular créditos. Para concluir pensamos que sería positivo que, para acceder a la especialidad de Maestro especialista en Educación
Musical en las Escuelas Universitarias, se exigiera una formación musical básica y al mismo tiempo que la especialidad contara al menos con cuatros años para la formación de los futuros docentes, ya que la mayoría de ellos cuando finalizan la especialidad tienen la sensación de no haber aprendido lo suficiente para poder ofrecer una educación musical de calidad Si bien es cierto que podemos considerar positivo el haber conseguido crear la inquietud y necesidad de continuar con su formación.

http://portal.educ.ar/debates/eid/musica/publicaciones/musica-y-educacion-especial.php

Musica y Educacion especial

Se reconoce en la música un medio de comunicación y expresión que la hace especialmente pertinente cuando se trabaja con personas que presentan un amplio conjunto de dificultades de aprendizaje (débiles mentales, ciegos y ambliopes, sordos e hipoacúsicos, trastornos motores, severos trastornos de personalidad, etcétera)

MÚSICA Y EDUCACIÓN ESPECIAL
DOCUMENTOS EDUCATIVOS

Prof. PEDRO BOLTRINO

www.pedroboltrino.com.ar
pedro@pedroboltrino.com.ar

"Imaginar es más importante que el saber pues el conocimiento es limitado, en cambio la imaginación abarca el universo", Albert Einstein

Se reconoce en la música un medio de comunicación y expresión que la hace especialmente pertinente cuando se trabaja con personas que presentan un amplio conjunto de dificultades de aprendizaje (débiles mentales, ciegos y ambliopes, sordos e hipoacúsicos, trastornos motores, severos trastornos de personalidad, etcétera).
Lo que no se puede pensar es la diferencia, en vez del déficit, como una entidad en sí, (diferente, del latín di-ferens: dos caminos), como una condición cualitativa de un sujeto que va por otro camino. El déficit es una descripción cuantitativa de un objeto comparado con un modelo previo. Pensar a la discapacidad a partir de las diferencias requiere un esfuerzo especial tanto en el campo científico como en el socio-político [2].
A partir del año 1978 aparece y se desarrolla el Informe de Warnock, el cual contenía las propuestas para la integración escolar y social, propone la abolición de la clasificación de minusvalías hasta entonces vigente y promueve el concepto de Necesidades Educativas Especiales teniendo el enorme acierto de convulsionar los esquemas vigentes y popularizar una concepción distinta de la educación especial. En este informe se especifican cuáles son las condiciones de vida comunes que deben tener las personas con necesidades educativas especiales como miembros de la sociedad. La aplicación del principio de normalización podría modificar el ambiente empobrecido del individuo y propiciar un mejor autoconcepto de él mismo, que redundaría en el desarrollo de sus capacidades preparándose para hacer unos aprendizajes de mayor eficacia de cara a su rendimiento laboral y autonomía personal dentro de la sociedad. Normalización no significa convertir en normal a una persona con ciertas necesidades especiales, sino aceptarlo tal y como es, con sus necesidades, reconociéndole los mismos derechos que a los demás y ofreciéndole los servicios pertinentes para que pueda desarrollar al máximo sus posibilidades y vivir una vida lo más normal posible [3].
A la educación especial le ha tocado abordar los casos que por salirse de la norma conllevan problemáticas que superan el espacio de la educación convencional o general. La escuela en la actualidad se encuentra ampliando su criterio hacia la diversidad, la integración, la equidad y la inclusión. Lo artístico en general y la música en particular no debiera ser un recorte de estas instancias.
En una sociedad que tiende a la homogenización, que reproduce en serie los objetos creados por el ser humano, que arrasa con las diferencias, se ven limitadas las posibilidades para expresar, aceptar y promover todo aquello que responde a manifestaciones singulares.

Especialmente Música

Al hablar de música y educación especial, es necesario recordar que los destinatarios son en primera instancia niños /as, jóvenes y adolescentes, a los que no les falta ni les sobra nada, niños a los que en tanto sujetos se les suma, una necesidad educativa especial.
Como docentes resulta, a veces, más fácil adoptar una vieja mirada homogeneizadora interpretando que todos los alumnos son iguales, que sostener una actitud donde lo heterogéneo favorezca el recorte personal. Es necesario promover una mirada individual y personalizada, a riesgo de caer en una situación similar a la planteada en el Mito de Procusto [4], un educador comprometido es capaz de captar las diferencias, aceptarlas y estimularlas. La uniformación es siempre una tentación ya que resulta menos amenazante.
Hablo de intervención del arte, específicamente de lo musical, lenguaje que requiere un aprendizaje y puede limitarse a una simple habilidad técnica o ampliarse hasta el punto de englobar la expresión de una visión particular del mundo. Sin embargo en un sentido más amplio, el concepto arte, hace referencia tanto a la habilidad técnica como al talento creativo en un contexto musical, literario, visual, etc. Procura a la persona que lo practica y a aquellos que lo contemplan una experiencia que puede ser de orden estético, emocional, intelectual [5], o bien combinar todas esas cualidades en un fenómeno de sociabilidad que favorece lo creativo como una adaptación activa a la realidad.
Dice González Grety la educación tiene el doble poder de cultivar o de ahogar la creatividad. En una educación significativa, la creatividad permite que el alumno sea agente activo de su propio aprendizaje, como también de la exploración y descubrimiento del mundo contando con la capacidad de enfrentarse a problemas y dar respuestas alternativas -he aquí un correlato con la invención científica. Para Rogers, la creatividad favorece la actualización del yo, el desarrollo y madurez personal. Ésta no sólo se manifiesta en el sentido estricto de la invención, artística o científica, para que sean originales y funcionales. En un sentido más amplio es la actualización del propio ser, es decir, un estilo propio de vivir, de estar abierto a la experiencia, a las cosas y a los seres. La creatividad es un signo de equilibrio personal. Ésta emerge cuando el sujeto actualiza o desarrolla lo más posible su potencial afectivo y mental, y se siente librado de las inhibiciones personales y sociales. La creatividad tiene dos constantes básicas: la novedad y la libertad. Lo nuevo se expresa de distintos modos, según sea visto a través del proceso de realización y de creación o bien de la persona que crea y el ambiente en que se mueve. La libertad se manifiesta en el proceso mismo de la creatividad. La acción es libre si nace de la iniciativa del sujeto, y si éste puede liberarse de estereotipos y categorías rígidas de pensamiento y acción, y si es abierto y flexible.
Operativamente, la creatividad es la capacidad de asociar, seleccionar, reestructurar, organizar y transformar las experiencias pasadas o la información recibida en combinaciones únicas que dan lugar a producciones diferentes y nuevas. Lo hasta ahora expuesto nos lleva a repensar sobre la esencia de la creatividad y en qué se diferencia ésta de la inteligencia. Olga Blinder considera que si bien existe una correspondencia entre ambas, no es absoluta. Se suele decir que las personas muy creativas son inteligentes, ahora, no siempre las muy inteligentes son creativas en el mismo grado.

Educación musical en la "Especialidad"

Se supone que el trabajo con nuestros "niños especiales " no es tarea fácil y si bien cotidianamente se diagnostica, patologías, áreas descendidas del aprendizaje, situaciones problemáticas en general, por grandes que estas sean, nunca abarcan la totalidad de la persona. Se hace indispensable no cosificar, no reducir a una persona al status de objeto, dado que es este el primer paso para la pérdida de los derechos civiles. Sujetos, por delante de las patologías.
Hay que considerar que, niños con severos trastornos emocionales o con discapacidades múltiples -cuadros asociados-, no son de fácil inclusión escolar. ¿Qué instancia de lo pedagógico tiene lugar ante estas situaciones?, ¿cuál es la amplitud del marco pedagógico?, ¿queda lo pedagógico determinado por el encuadre institucional?, ¿favorecer al desarrollo de un hábito no forma parte de lo pedagógico?
Con relación a problemáticas aparentemente menos comprometidas, donde hay déficit en la atención, cuando no hay conservación de los aprendizajes, cuando se plantean serias dificultades en la adquisición de las nociones básicas, donde existen interferencias e inestabilidad en las reacciones emocionales que hacen síntoma en el aprendizaje, interferencias de adaptación social, etcétera, ¿cuál es el sostén para emprender el proceso hacia una educación musical, aun teniendo en cuenta la posibilidad de adaptación curricular?
Esto nos lleva a considerar diferentes conceptos y, en primera instancia, a puntualizar términos como clínica, terapia y lo educativo-terapéutico.
La clínica promueve la cura. La escuela promueve el aprendizaje y éste, en un sentido amplio que va más allá del conocimiento, el dominio de contenidos [6]. "Un terapeuta es siempre un reeducador" [7] [...] toda educación especial es terapéutica" [8].
La música puede contribuir a romper barreras entre alumnos y liberal el potencial que llevan consigo. No obstante, con respecto a alumnos con dificultades de aprendizaje:

1. Es posible que los alumnos necesiten un acercamiento positivo a unas experiencias y actividades que puedan realizar con éxito.
2. Es posible que sea necesario adaptar las tareas que se les encarguen para que puedan responder de forma positiva.
3. Para garantizar la igualdad de oportunidades para todos los alumnos, pueden ser necesarios recursos adicionales. (Office for Standards in Education, Inglaterra, 1995)

Al interrogarme sobre cómo conseguir tal o cual efecto o cómo acceder sin error alguno a la consecución de "ese objetivo" en la clase de música -a veces con fines netamente conductistas-, imagino que, si es posible tener una mirada individual para cada alumno, y hacer que ese aprendizaje sea significativo en su proceso, poco importan sus necesidades educativas especiales ya que todos debieran en estos términos serlo, sobre todo en disciplinas donde lo artístico entra en juego comprometiendo la sensibilidad.
El vínculo entre los sonidos y el ser humano (complejo "sonido-ser humano") proporciona la base de trabajo para la musicoterapia. Una parte importante de la labor musicoterapéutica se desarrolla en el campo de las enfermedades psíquicas, muchas de las cuales se caracterizan por retracción, inhibiciones, represión o negación de sentimientos, o disociación de los mismos, y en el campo de la educación especial. El objetivo de la musicoterapia es alentar un crecimiento emocional, afectivo, relacional y social de la persona a través de la utilización de sonidos, movimientos y expresión corporal como medio de comunicación y de expresión [9].
En la clase de música, los niños cantan, ejecutan instrumentos, se expresan corporalmente, improvisan, aprenden. Dentro del ámbito escolar pocas cosas son más terapéuticas que el aprender.
Al emerger el sonido, lo van transformando en otros sonidos y gradualmente los transforman en algo significante como un pulso, un ritmo, una melodía, timbre o armonía [10]. La música es medio para obtener otros resultados. Y a la vez fin en sí misma. No es en educación especial donde apuntamos a las aptitudes musicales (que no son pocas) sino a los principios de significatividad y funcionalidad de los aprendizajes artísticos. El resultado será realmente positivo si docentes y alumnos logramos reconocer y valorar obstáculos y logros y si el espacio musical ofrece alegría y seguridad para expresarse libremente.

Mayor información en la red

1. www.mindinst.org/index.php
2. www.wjh.harvard.edu/~cfc/

NOTAS
1. Pedro Boltrino, licenciado y profesor argentino, investigador y educador especial, pjboltrino@sinectis.com.ar
2. Dr. Diego González Castañón, artículo publicado en Topía en la Clínica n° 5, marzo de 2001.
3. Gisela Milagros Cañedo Iglesias, El desarrollo científico-tecnológico, la evolución en las perspectivas sociales-humanistas y la atención de las necesidades educativas especiales.
4. Bárbaro que seducía a los viajeros por los caminos de la antigua Grecia y los invitaba a pasar la noche en su castillo. Él agasajaba a sus ocasionales invitados con una abundante cena y festejos hasta altas horas de la noche. Cuando el invitado era vencido por el cansancio de tantos homenajes, lo persuadía para pernoctar en su cuarto de huéspedes. Allí estaba su famoso camastro: el Lecho de Procusto. Todo andaba bien con Procusto y su castillo hasta que éste anunciaba que todo, en este mundo, tiene que tener un estricto ajuste a las normas. Para él, las personas debían entran justo en su lecho. Por lo tanto, si el invitado era más corto que el largo del camastro Procusto estiraba al infortunado sujeto con unas tenazas que ataba a sus manos y tobillos. Si el viajero era más largo que el Lecho de Procusto, éste tomaba su afilada hacha y le amputaba la cantidad suficiente de cada pierna para que ocupara el largo justo del camastro.
5. Gombrich, Ernst Hans, "La historia del arte", Editorial Debate, Madrid, 1997.
6. Ricardo de castro "Sonido, música y acción", J. Baudino Editores, Argentina, 2004.
7. Knobel, Mauricio, "Psiquiatría infantil psico dinámica", Buenos Aires, 1977, primera edición, p. 211.
8. Alvin, Juliette, "Música para el niño disminuido", Buenos Aires, 1974, primera edición, en inglés, 1965, p. 129.
9. www.geocities.com/Paris/Metro/8395/spanish.html (ADIMU)
10. Mt Patricia Pereyra, protocolo de planificación

http://www.filomusica.com/filo21/nino.html
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